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Inside out (Del revés): La mente como parque temático

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Inside out (Del revés) llega a nuestros cines con el aplauso unánime de la crítica mundial. La primera victoria la logró nada menos que en el festival de Cannes, donde de optar a la Palma de Oro quizá la hubiera logrado. El público ha refrendado el nuevo éxito de Pixar con comentarios entusiastas. Había curiosidad por ver si el film estaba a la altura de todo lo que se ha dicho y escrito.

La película nos lleva al interior de la mente de una niña de 12 años, que tendrá que empezar en una ciudad y en nuevo colegio debido al trabajo de sus padres. Veremos su vida desde dentro a través de cinco sentimientos: Alegría, tristeza, miedo, asco e ira, cada uno de ellos representado por un personaje.

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La calidad de la animación no necesita comentarios, pues ya es por todos conocido el nivel de Pixar. No se puede ir mucho más allá en ese aspecto, por lo que hay que centrarlo todo en la creatividad. Y es la imaginación de Inside Out la que la eleva por encima de otros filmes. La factoría ha creado un delirante universo en el interior de la cabeza de la niña. Un mundo poblado de recuerdos, sueños e ideas que deja pasajes memorables, como ese imposible atajo por el pensamiento abstracto o la asimilación del cinematógrafo como una máquina de crear sueños.

Dividiría la película en dos géneros: Comedia y drama. Como comedia Inside out funciona como un reloj. Una vez presentadas las reglas solo falta crear situaciones que hagan que fluya la jugosa premisa. Y en ese aspecto la película triunfa. Los personajes «de dentro» son un filón para desarrollar gags imposibles, como ese en el que se nos explica porque aparece con frecuencia en nuestra cabeza algún jingle del pasado.

La vertiente dramática no responde de igual manera. No he conseguido empatizar con la niña protagonista ni su drama me ha parecido tan dramático. Un cambio de ciudad no es el fin del mundo. Quizá si Pixar hubiera optado por la idea de un divorcio hubiera comprendido más la magnitud de la tragedia, pero claro, estamos hablando de Disney y del mundo ideal que cantaba Gisela. Ni siquiera en los momentos en lo que se recurre a la banda sonora para desalojar el lagrimal (viejo truco) la película consigue removerme, más bien al contrario. Me recuerda que estoy sentado en una sala de cine.

Es esa disneilización lo más molesto de la cinta. Se vende una sociedad en la que no existe nada que rompa la norma. En la que los hombres piensan en fútbol y las mujeres en ropa u amores del pasado. Un mundo blanco y heterosexual. Una ocasión perdida por la factoría de abrirse de una vez por todas a la realidad.

Tampoco se nos escapa que la idea de la película no es del todo original. Cualquiera que haya visto Erase una vez el cuerpo humano u Osmosis Jones lo sabe, solo que esta vez se cambia lo físico por lo emocional.

Fear (voice of Bill Hader), Sadness (voice of Phyllis Smith), Joy (voice of Amy Poehler), Disgust (voice of Mindy Kaling) and Anger (voice of Lewis Black) guide 11-year-old Riley from Headquarters, the control center inside her mind. Directed by Pete Docter (“Monsters, Inc.,” “Up”), Disney•Pixar's "Inside Out" opens in theaters nationwide June 19, 2015. ©2014 Disney•Pixar. All Rights Reserved.

Son estos matices los que impiden que Inside Out (Del revés) sea una película redonda, pero sin duda los fans de Pixar saldrán satisfechos. La cinta es indiscutiblemente divertida, y consigue trasladarnos a la niñez por momentos. Lástima que sea todo tan light… No pierdo la esperanza de que Pixar se quite algún día el freno de mano para arriesgar como Ghibli.

*No os levanteis en los créditos finales. Lo más descacharrante está en ellos.

Mommy: La madre que lo parió

Nos hemos acercado al cine a ver Mommy, el nuevo trabajo de Xavier Dolan (Que no Nolan) con el que se acerca de nuevo a su tema favorito, el de las relaciones materno-filiales. La película obtuvo el Gran Premio del Jurado de Cannes y se ha quedado sorprendentemente fuera de la lucha por la estatuilla en la categoría de Mejor Película de habla no inglesa, junto con otras gigantes del año como Winter Sleep o Dos días, una noche.

La película cuenta la complicada relación entre una madre extremadamente choni y su hijo, con serios problemas de personalidad (Por no decir que está como una puta cabra). La vecina de esta singular «pareja» también tiene un papel importante en la trama.

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Estamos ante una gran película de personajes. La madre, interpretada por Anne Dorval, está condenada a cargar con una cruz en forma de hijo. Decida lo que decida está abonada al sufrimiento. Me parece curioso que su gran interpretación no esté optando a los grandes premios de la temporada. Llama poderosamente la atención su vestimenta. En ese aspecto esta madre se estamcó en los 16.

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Antoine Oliver-Pilón interpreta a un joven que padece ADHD. Dolan acierta mostrándonos su mundo interior en hermonas escenas musicadas. El personaje nos lleva de la simpatía a la lástima, y de ahí al terror. Por suerte el director mantiene un tono que salva al espectador de la depresión. No estamos ante un dramón.

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El personaje de la vecina, interpretada por Suzanne Clement es un lujazo. El guión nos ayudará a conocer su cámara de los secretos a través de detalles. Su misterio debe resolverlo el espectador. Añadir que fisicamente me ha recordado a Naomi Watts en versión homemade.

La primera singularidad que encontramos es que Dolan ha decidido prescindir del habitual formato de 16:9 para grabar Mommy en 1:1. El director demuestra ser un maestro sacando todo el rendimiento posible a este formato, que en ocasiones ensancha como recurso estilístico.

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Mommy habla de amor, y tambien de los límites de la responsabilidad familiar. Del amor materno filial al complejo de Edipo que parece sufrir el protagonista masculino. No llega al  punto de Tenemos que hablar de Kevin, pero en ocasiones nos muestra un terror cotidiano que asusta. Por suerte Dolan sale victorioso del drama y no nos deja hundirnos en el fango. El sensacional montaje sale al rescate.

Es más fácil disfrutar Mommy si sufres melomanía, como es mi caso. Me sorprende lo mainstream de la música de la película viniendo de un director (supuestamente) etiquetado como indie en esto del cine. La primera canción de hecho es Whiteflag de Dido, todo un hit en su época (que a mi personalmente me encanta). Otro ejemplo es la inclusión del Wonderwall de Oasis. Los momentos musicales, de los que Dolan hace uso y abuso, elevan el nivel de la película y ayudan a sobrellevar el drama. Mención especial al momento trio cantando On ne change pas, de Celine Dion, de lo mejor de los últimos tiempos en lo que respecta al affaire música-cine.

Mommy es sin duda una gran película, plagada de buenos momentos, pero no alcanza la excelencia. Quizá porque si bien he disfrutado, no he tenido una conexión plena con ella. Le falta algo que no me atrevo a explicar, ese algo que separa lo bueno de la excepcional. Aún así se agradece que Dolan saque a la palestra toda su personalidad como director. A sus 25 años aún tenemos Xavier Dolan para rato.

Lo mejor: Los «videoclips»

Lo peor: Cierta irregularidad. Funciona mejor por piezas.