10 películas para un Halloween delirante

El cine de terror va mucho más allá de las «películas de miedo». A lo largo de la historia del género encontramos auténticas comedias terroríficas, y no me refiero a comedia involuntaria, que también las hay, si no a «horror movies» totalmente disfrutables. Os dejamos 10 de nuestras favoritas y os avisamos de que esta maratón puede provocar resaca.

BRAINDEAD (TU MADRE SE HA COMIDO A MI PERRO)

Antes de meterse en la tierra media Peter Jackson se lo pasó de puta madre haciendo cine. En su australia natal firmó tres películas que son puro cachondeo. Braindead forma con Mal gusto y El delirante mundo de los Feebles la santísima trinidad del gamberrismo. Braindead permanecerá en el tiempo como la obra cumbre del «fun gore» . Litros y litros y más litros de sangre bien utilizados. Con esta película aprendí que la mejor manera de taponar la herida de un decapitado es clavarle un gnomo de jardín.

FREDDY CONTRA JASON

El subgénero «versus» sigue sin aportar buenas películas, pero la falta de calidad se suple con entretenimiento y diversión. Esto es lo que nos queda de esta muestra de «freak horror» que enfrenta a dos leyendas en horas bajas, Freddy y Jason. Robert Englund retoma al personaje para la ocasión. Merece la pena disfrutarla.

LA NOVIA DE CHUCKY

En el cine de terror se suele dar el fenómeno del «psicokiller colega». Esto es, el malo de turno pasa de aterrorizar a divertir (vease la saga pesadilla en elm street). Chucky, que acojonó en un primer momento, aquí se presta a la comedia «romántica». Jennifer Tilly hace el resto. Un polvo salvaje entre La novie de Frankenstein y Toy Story.

LOS RENEGADOS DEL DIABLO

Rob Zombie se ha convertido en un imprescindible del género. Los renegados del diablo elevó hasta el infinito todas las virtudes de La casa de los mil cadáveres. Es como si la familia de la matanza de Texas se fuera de vacaciones. Trepidante road movie con guiños constantes al género. No es solo una de las mejores películas de terror de los últimos años, es una de las mejores de cualquier tipo.

SCREAM

Scream fue la película que revitalizó un género que parecía destinado al videoclub. Y lo hizo jugando con las reglas del cine de terror. Un Slasher que era a su vez una parodia slasher y una magistral muestra de suspense. Diversión de la buena y guiños a tutiplén. Wes Craven riéndose de Wes Craven para completar su mejor trabajo.

PIRAÑA 3D

Alexandre Aja es otro de las directores clave del horror actual. Los toques desternillantes que vimos en Alta tensión y el remake de Las colinas tienen ojos fueron llevadas aquí hasta la extenuación. Pirañas digitales que nada tienen que ver con las de la película original de Joe Dante, hechas para el desmadre. Cuidado, que lo mismo te muerden un pie que la entrepierna. Un gran baño de sangre.

UN HOMBRE LOBO AMERICANO EN LONDRES

John Landis mandó al infierno los tópicos góticos y formales del mito del Hombre lobo para hacer que el licántropo pasara a formar parte de la iconografía pop. Del Páramo a un pub llamado la oveja degollada, de ahí a una sala X londinense. Una de mis películas favoritas.

LA CABAÑA EN EL BOSQUE

Drew Goddard echó a bajo los cimientos del género casa encantada en una de las películas de terror más relevantes de la última década. La influencia de los Reality shows queda patente en este episodio de terror arquitectónico que esconde toda la mitología del género. Brillante.

EL EJÉRCITO DE LAS TINIEBLAS (EVIL DEAD III)

Como se habla demasiado ultimamente de los dos primeros episodios de la trilogía de Evil dead nos vemos en la obligación de reivindicar el tercero, en el que el universo de la cabaña de las dos entregas se traslada a la edad media. Bienvenidos sean los esqueletos a este delirante cierre de trilogía. La fórmula es la misma, y sigue funcionando a las mil maravillas.

YO COMPRÉ UNA MOTO VAMPIRO

Obra magna del cine absurdo. Aquí cambiamos a Drácula por una motocicleta para dar una delirante vuelta de tuerca al mito vampírico. Terror camera on board. Ojo, que en esta película las mierdas hablan, y te saltan a la cara. Mis amigos me siguen hablando a pesar de que les obligué a verla. Buena señal.

De regalo os dejo al ya mencionado zurullo. De estos lodos… La mieda con ojos del Whatsapp. ¡¡Feliz Halloween!!

Magical Girl: La puerta del largarto negro

La Concha de Oro y el visionado de Diamond Flash habían subido y mucho las expectativas (y las ganas) de ver Magical Girl. No voy a tardar en resolver la incógnita. Magical Girl es una obra maestra. Algunos dicen que se utiliza este término con suma facilidad, así que lo voy a repetir: MAGICAL GIRL ES UNA OBRA MAESTRA. La sensación de haber pagado por ver una buena película, que además es española, es muy gratificante.

Su director, Carlos Vermut, ha conseguido en apenas dos películas ascender hasta la primera división del cine español. Lo ha hecho arriesgando, sin ocultar influencias, y dotando a sus películas de una gran personalidad. El director demuestra que se puede escribir un guión con silencios, silencios que hablan, sin que el ritmo se vea afectado. Al igual que Diamond Flash, a Vermut le bastan cinco minutos de película para que sepamos que estamos ante un talento puro.

Magical Girl pertenece al subgénero «vidas cruzadas», así es como convergen un parado con una hija enferma, una mujer con problemas mentales y un profesor de matemáticas. Ellos son las piezas de un rompecabezas en la que el espectador está invitado a participar. Pero tranquilos, que no estamos ante una comedura de tarro extrema. Se entiende bien lo que la película nos quiere contar. Lo que no nos cuenta ya es cosa de cada uno.

Tras el visionado me vienen varias influencias a la cabeza: Eyes wide shut de Kubrick, Carretera perdida de Lynch y Espejo público de Susana Griso. Delirante la referencia a la guerra de escalera de las famosas vecinas de Valencia. Vermut juega con eso, con no caer en el sensacionalismo de la crónica de sucesos, en no mostrarnos la sala del morbo, aunque ganas no nos falten.

Los actores están totalmente inspirados. No es extraño en un animal como José Sacristán , pero sorprende en una espectacular e inquietante Barbara Lennie a la que nunca habíamos visto igual. Uno de los mejores personajes femeninos de la historia reciente del cine español. Luis Bermejo también rinde a gran nivel en su papel de «padre ¿coraje?».

La película no obvia el trasfondo social de la España de hoy, la España de la desigualdad en las que a muchos no les queda otra que perder la dignidad por dinero. Vermut nos muestra el chantaje socialmente aceptado al que se ve sometido el ciudadano medio por parte de la clase dominante. Una España de toros y toreros en el que los más débiles viven hasta desangrarse.

En definitiva,  Carlos Vermut ha dado un paso adelante en su segunda película, la que siempre suele ser más complicada. Ha dirigido su primera obra maestra y una de las mejores cintas españolas desde que superamos la barrera del 2000. Merecidísima Concha de Oro que ha revalorizado el galardón. Ya estamos deseando tomarnos el tercer Vermut.

Relatos Salvajes: Personas al borde de un ataque de ira

Damian Szifron animó la Sección Oficial de Cannes con Relatos Salvajes, una película episódica con el deseo de venganza como tema principal. Estamos ante un filme episódico que tiene en la regularidad su principal virtud. Normalmente este tipo de cine está realizado por diferentes directores, lo cual provoca resultados tremendamente desiguales.Todos saldremos de la sala con nuestro episodio predilecto, pero la calidad no decae exageradamente entre el mejor y peor capítulo. Producen los hermanos Almodovar.

Los analizamos uno a uno:

Pasternak

Se trata de una brillante intro ambientada en un vuelo comercial que encantará a los que piensan que nada sucede por casualidad. Es la prima argentina del United 93 de Greengrass. El humor negro aparece para quedarse.

Las ratas

Primer capítulo que aborda la situación actual de crisis económica, social y política en la película. Un homenaje a todos los martires que han tenido que caer para proteger el bien común, a los que se dejan la vida por una causa que ni siquiera es suya.

El más fuerte

Comienza en la carretera, a lo El diablo sobre ruedas, Jeepers Creepers o Breakdown. Capítulo excelentemente filmado en el que Leonardo Sbaraglia brilla con luz propia. Avanza con violencia y escatología hacia un brutal desenlace. Recuerda a los Cuentos asombrosos de Spielberg.

Bombita

Hermana bastarda de Un dia de Furia, cambiando a Douglas por el omnipresente Ricardo Darín. Todos los que hemos tenido un mal dia por causa ajena nos veremos representados en este ciudadano cabreado que busca sobrevivir en la jungla urbana.

La propuesta

Un capítulo para la reflexión, que habla de sobornos y cabezas de turco, de como el más fuerte se beneficia del más pequeño para su exposición pública. Se trata el tema de la inmunidad judicial de los peces gordos. Lamentablemente, el dinero siempre es el mejor abogado.

Hasta que la muerte nos separe

Es curioso, pero Szifron nos cuenta en pocos minutos algo similar a lo que Fincher ha tardado dos horas y media en contarnos en Perdida. Una hostia en la cara al matrimonio, esa terrorífica institución burguesa. Imposible no acordarse de REC 3. Inspiradísimo desenlace.

Es muy sencillo empatizar con los personajes de la película. Por muy sinceros que creamos ser, todo ser humano vive en continua represión. Unos más y otros menos, pero todos nos movemos con un filtro que nos hace ser cordiales o simplemente correctos. Relatos Salvajes bucea en nuestros deseos ocultos, en nuestra naturaleza salvaje, en un hipótético de «que pasaría si el filtro se fuera a la mierda». Es lo que tiene la socialización, que ha evitado que nuestra vida sea una sucesión de enfrentamientos, pero también ha hecho que en ocasiones cerremos el pico cuando no deberíamos hacerlo. En el mejor de los casos esperamos al episodio final para hacer un «Para lo que queda dentro me cago en el convento». En Relatos salvajes la cuerda se tensa hasta romperse.

La película ha sido seleccionada para representar a Argentina en la carrera por el Oscar. Si los académicos no valoran como algo negativo su formato episódico estará entre las nominadas. Muy recomendable, como película y como evasión de la cruel rutina. Si has tenido un mal día en el trabajo, acércate al cine.

Un Halloween para cinéfilos: Sangre, suspense… y cine

POR RAQUEL ORTEGA-MARTINEZ

Se acerca ya el 31 de octubre y Halloween está a la vuelta de la esquina. Si entre tus planes este año no está disfrazarte de algo sangriento, mutilado, terrorífico o perturbador, quizá es que seas de los que prefieren pasar esa noche viendo películas de terror.
Si bien la cartelera estadounidense viene cargada de propuestas para todos los gustos (‘Annabelle’ o ‘Drácula, la leyenda jamás contada’, por ejemplo), curiosamente este año la española cuenta únicamente con una propuesta de terror para disfrutar en las salas con motivo de la Halloween, y se trata de producto nacional. ‘[•REC] 4: Apocalipsis’ se estrena el mismo día 31 para contarnos qué ha sido de la sufridísima Ángela Vidal. Las carreras, la sangre y los sobresaltos están garantizados. Pero si eres carne de videoclub y lo tuyo es organizar una maratón especial Halloween en casa, aquí tienes algunas propuestas, dependiendo de cuál sea tu situación o de lo que prefieras ver.
SI TIENES NIÑOS…

El retorno de las brujas (1993)

Quizá una de las mejores películas de Halloween para niños con todos los elementos más clásicos y hollywoodienses: brujas, gatos negros, zombies, hechizos, calabazas y el típico ‘truco o trato’. Bette Midler, Sarah Jessica Parker y Kathy Najimy interpretando a unas brujas malísimas pero divertidísimas que además cantan I put a spell on you como nadie.

Gremlins (1984)

Realmente ésta debería estar también en la lista de mejores películas navideñas, pero desde luego es una gran opción para una noche de Halloween con los más pequeños de la casa. Su sentido del humor negro marcó a toda una generación, que además se enamoró de una jovencísima Phoebe Cates por el camino.Ç

SI ESTÁS EN LA EDAD DEL PAVO…

Scream (1996)

Adolescentes y sangre siempre ha sido una buena mezcla, y ‘Scream’ fue sin duda la causante de la fiebre por el cine de pseudo-terror adolescente que surgiría a partir de su estreno. Si bien sus secuelas fueron más bien flojas (la tercera es verdaderamente lamentable), Scream 4 logró, de manera sorprendente, recuperar el pulso del primer título de la saga.

Carrie (1976)

Una adolescente torturada por sus compañeros de clase que decide vengarse de ellos cuando le gastan una broma al elegirla reina del baile de fin de curso. La telekinesis de Carrie la convirtió en un clásico con muy mala leche. En 2013 se estrenó un remake con Chloë Grace Moretz y Julianne Moore como protagonistas que desafortunadamente pasó sin pena ni gloria.

SI BUSCAS ALGO CON SENTIDO DEL HUMOR (O CON ZOMBIS)…

Zombies party (2004)

Si tienes en una película a Simon Pegg y a Nick Frost sabes de antemano que el resultado va a ser gamberro y divertido, en este caso con una genial vuelta de tuerca al apocalipsis zombi. ¿Lo mejor de la película? Elegir con qué discos de vinilo se puede matar a un zombi y con cuáles no.

Bienvenidos a Zombieland (2009)

Surrealista y divertida. Terrorífica más bien poco, pero realmente es lo de menos. Con un Woody Harrelson inspirado en busca del último Twinkie sobre la faz de la tierra, una Emma Stone que enamoró a hombres y mujeres por igual y un Jesse Eisenberg adorable en su ineptitud total ante todo. Sin olvidarnos del cameo sorpresa, claro…

Si BUSCAS ALGO DIFERENTE…

El proyecto de la bruja de Blair (1999)

Falso documental que nos asustó y mareó a partes iguales. Todo un fenómeno cuando se estrenó porque nunca antes se había visto algo así en los cines: una película que sin mostrar nada te aterrorizaba hasta la médula. Nos hizo dudar a muchos de si la historia era cierta o sólo una campaña de marketing muy bien montada…

The Rocky Horror Picture Show (1975)

Mezclar en una coctelera A Wong Foo, ¡gracias por todo! Julie Newmar (1995), los musicales, Las aventuras de Priscilla, reina del desierto (1994), Transilvania y la cultura underground de los 70. El resultado es una película divertida y alocada con un Tim Curry como nunca se le ha vuelto a ver.

SI BUSCAS CIENCIA FICCIÓN…

Alien, el octavo pasajero (1979)

“En el espacio nadie puede oír tus gritos”. Simplemente el tagline de la película ya pone los pelos de punta. Terror, suspense y una sensación de claustrofobia constante es lo que nos ofrece una de las mejores películas de ciencia ficción de la historia, la que rompió moldes y se atrevió a hacer lo que nadie había hecho antes.

La mosca (1986)

A pesar de ser un remake de una película de 1958, Cronenberg es capaz de hacer la historia suya y llevar a la pantalla el horror de una manera inimaginable, con una ambientación y un maquillaje que parecen sacados de una mente enferma. Esta película es eso y más, pero sobre todo es una historia del amor y de la naturaleza del ser humano.

SI BUSCAS UN CLÁSICO…

Psicosis (1960)

Una banda sonora que nos anticipa en cada escena lo que estamos a punto de ver, un guión brillante, unos protagonistas en la cumbre de su carrera y una escena final sublime. No hace falta más para animarse a ver esta película. El año pasado pudimos ver cómo fue para Hitchcock rodar la mejor película de terror de la historia.

El resplandor (1980)

Polémicas sobre el doblaje al español aparte y dirigida de manera magistral por el siempre sorprendente Kubrick, se ha convertido en uno de los clásicos del cine de terror. Los interminables pasillos, el ascensor lleno de sangre, las gemelas o el terrorífico descenso hacia la locura de Jack ya son parte de la cultura popular.

Si BUSCAS ALGO PARANORMAL

El exorcista (1973)

Una película que se adelantó a su tiempo de muchas maneras y que décadas después sigue poniendo los pelos de punta a todo aquel que la ve por primera vez. Una banda sonora icónica y unas interpretaciones que rayan la perfección. Imposible ver una foto de Linda Blair y que no te dé mal rollo.

La semilla del diablo (1968)

Terror psicológico al máximo nivel. Cierto es que hay elementos sobrenaturales, pero el verdadero horror de la película es que Rosemary es el centro en el que convergen el egoísmo y el egocencentrismo de un marido ambicioso y de una comunidad que vecinos que nadie querría para sí, la del tristemente famoso edificio Dakota en Nueva York.

RAQUEL ORTEGA MARTINEZ

En twitter @Horamoira

http://www.raquelortemar.com

Top 10 de las películas de David Fincher

Davi Fincher acaba de estrenar Perdida (Gone Girl), la décima película de su carrera. Buen momento para recapitular y hacer un Top ten de uno de los directores que más importantes de los últimos años.

10. El curioso caso de Benjamin Button (2008)

Intento fallido de Fincher de hacer su Forrest Gump, lease, de no ser el mismo. Estamos ante una película que se cree grandiosa sin serlo. Con buenos momentos, pero soberanamente larga. El maquillaje me genera serias dudas y resta credibilidad al conjunto. ¿No podían haber ido cambiando actores? Porque lo de hacer un eterno Boyhood no lo veo. Como casi siempre, lo mejor la Blanchett. Así con todo se deja ver.

9. La habitación del pánico (2002)

Cuando creíamos que Fincher iba a comerse el mundo apareció esta convencional película. Solo el empuje y carisma de la Foster que tanto nos gusta en modo heroína pudo salvar los muebles. Por si os lo estais preguntando… Si, la niña es Kristen Stewart, protagonista de la Saga Crepúsculo.

8. Alien 3 (1992)

Estamos ante una película fallida, pero también ante una opera prima de profunda personalidad. Fincher hizo suyo el Alien, y solo la falta de experiencia le impidió hacer algo mejor, o quien sabe si las imposiciones de estudio. Quizá no sea mejor que las 9 y 10 del ranking, pero salen Alien y Ripley con la cabeza rapada. Eso me pone.

7. La red social (2010)

Película correctísima, e ahí su principal virtud, y también su principal defecto. Fincher sólido y solemne, como queriendo agradar a todos. Me quedo con el excelso trabajo de Trent Reznor y Atticus Ross con la banda sonora. La película es Buena, interesante, pero no enamora. Jesse Eisenberg demuestra sus (escasas) dotes interpretativas.

6. The game (1997)

Fincher haciendo lo que le gusta: Jugar con el espectador. Y con un buen Michael Douglas dispuesto a pasarse el juego. El final es de esos de OMFG. Roza el ridículo, pero supera la prueba. Merece la pena entrar en juego. De estos polvos… ¿Saw?

5. Perdida (2014)

Grandioso entretenimiento al que solo le faltan los fuegos artificiales, un final que dinamitara todo, pero claro, es lo que tiene adaptar novelas. Estamos ante un Fincher efectivo con influencia de las series de televisión que hace cortas dos horas y media. Un juego salvaje.

4. Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres (2011)

La estética de los créditos iniciales demuestra desde el primer minuto que David Fincher quería llevar a su terreno la novela de Stieg Larsson. Impresionante estampa gélida sobre la que rueda la acción. Sobre el frio, Daniel Craig y Rooney Mara respondiendo a la perfección. Impresionantes Reznor y Ross poniendole música a todo esto. Lástima que se vaya a quedar en un episodio aislado y no podremos ver la trilogía. Entretenimiento de calidad.

3. Zodiac (2007)

Si algo caracteriza a David Fincher es la capacidad para sorprender. En esta ocasión cambia su estilo excesivo por una cuidadosa forma de dirigir. Una radiografía perfecta de la compleja caza de Zodiac, un asesino serial que tuvo en jaque a Estados Unidos. Fincher aprovecha para hacer lo mismo con el espectador. Gyllenhaal y Downey Jr. recuerdan a los Hoffman y Redford de Todos los hombres del presidente. Última obra maestra de Fincher hasta la fecha.

2. El club de la lucha (1999)

El club de la lucha no solo es una película, también es un icono. Recuerdo la controversia en su estreno e infinidad de críticas negativas. Un canto a la violencia decían algunos, pero eso es simplificar. En mi caso no tenía la más remota idea de lo que iba a ver, y claro, aluciné en colores. Norton y Pitt en estadio de gracia dandole un puñetazo en la cara a toda la generación ikea. Fincher desatado. Una obra maestra.

1. Seven (1995)

Recuerdo verla en el videoclub en una época en la que Brad Pitt estaba presente en infinidad de carpetas. Es normal que dudara, pero finalmente la alquilé. El resto ya es historia. Seven es sin duda una de mis películas preferidas. Sus extraños créditos, la incesante lluvia, la química de la extraña pareja Pitt-Freeman, el infierno de Dante… Todo funciona en esta perfecta investigación del caso de un asesino en serie para la eternidad. Y ojo al desenlace, un final mayúsculo que ya es historia del cine.

Ahora solo falta saber vuestra opinión…

Perdida: Juego camina conmigo

David Fincher vuelve a escena, y lo hace adaptando el Best seller Perdida de Gillian Flynn. De este modo, el director de Denver continúa un sendero marcado por las adaptaciones (Millennium, La red social, House of cards…). En esta ocasión nos ofrece un trepidante thriller con el que se dispone a jugar con el espectador. Morbo y más morbo en la que podría ser la obra cumbre del Anarrosaquintanismo.

El juego comienza con la extraña desaparición de  Amy Dunne. La opinión pública y la sombra de la duda caen con fuerza sobre su marido, Nick Dunne. Él y la policía seguirán las misteriosas pistas que dejó Amy antes de desaparecer.

Las dos horas y media de duración de la película no pesan en absoluto. Estamos ante una de las películas más entretenidas de este 2014. Reconozco que pasadas las dos horas aún estaba en la butaca pidiendo más. Y es que no tenemos que esperar al desenlace para resolver enigmas. El nudo viene cargado de sorpresas, trampas y humor perverso.

La primera película que me ha venido a la cabeza al acabar Perdida es Juegos Salvajes, la tramposa película que John McNaughton dirigió en 1998 con dos actrices y una piscina para el recuerdo: Neve Campbell y Denise Richards. Existe además cierta influencia televisiva. La parte de la entrevista a Nick Dunne recuerda a la que vimos en el episodio 2×04 de House of cards, serie con Fincher como cara visible. También veo a la asombrosa Amy esa misteriosa esencia de la «Laura Palmer» de Twin peaks. No me hubiese sorprendido que esta Perdida hubiera sido una serie de 8 episodios.

Maravilloso acierto de casting el de Ben Affleck, es el tonto útil que la película necesita. Sus carencias interpretativas le sientan de lujo a su personaje. Pero Affleck no brilla tanto como la fascinante Rosamund Pike, a la que conoceremos mediante flashbacks previos a su desaparición. Podría acabar con nominación al oscar. En el resto del reparto, destacaría a Tyler Perry, que interpreta al carismático abogado defensor Tanner Bolt y a Carrie Coon, hermana enrrollada de Affleck. Congratulará a muchos la presencia de la espectacular modelo Emily Ratajkowski, que se muestra en en todo su esplendor.

Como siempre destacar el trabajo de Trent Reznor y Atticus Ross en la banda sonora, si bien en esta ocasión les colocará un escalón por debajo de La red social y Millennium, quizá porque ya no nos pilla de sorpresa.

Sin duda Fincher cuenta con un buen material, pero he echado en falta fuegos artificiales. Es el doble filo de la adaptación, la fidelidad te da, pero también te quita, y Perdida se queda un escalón por debajo de la grandeza cinematográfica. Veo a Fincher en retazos, reconocible en su sello de los últimos tiempos, pero echo en falta al Fincher desatado de los inicios, el de Alien 3, Seven o El club de la lucha, un director con energía arrebatadora. Su cine, desde Zodiac, ha ganado pausa, madurez, pero adolece de excesos, y quizá también de ambición. Fincher tiene el talento para darnos obras maestras, pero en este caso opta por darnos un enorme entretenimiento. Cumple mínimos para seguir en la primera división americano, pero creo sinceramente que puede volar muy por encima de Perdida.

Ciudadano X: El telefilme que triunfó en Sitges

El festival de Sitges de 1995 encumbró a Citizen X (Ciudadano X), una TV movie sobre la apasionante caza de Andrei Chikatilo, el carnicero de Rostov, asesino en serie que acabó con la vida de 52 personas, en gran parte niños. Está producida por la HBO, en unos tiempos en los que ni intuíamos por estos lares que el canal se iba convertir en el gran referente en cuanto a calidad de las series para televisión.

La etiqueta de telefilme no le pesa en absoluto a esta producción, que además del ya mencionado premio principal de Sitges, consiguió 7 nominaciones a los Emmy y 2 a los Globos de Oro. Ciudadano X crea su propio tono, alejado de la moda de los Psycokillers de los 90 que surgió a raíz de El silencio de los corderos. Chris Gerolmo. guionista de Arde Mississippi, escribe para la ocasión un buen guión (basado en el libro The killer department, de Robert Cullen) que él mismo dirige con solidez.

El contexto es uno de los protagonistas. La película muestra la rigidez de maniobra del regimen sovietico. No es casual que pasaran doce años hasta la captura de Chikatilo. El poder comunista nunca quiso reconocer que podían cometerse este tipo de crímenes en su territorio. Las ayudas al detective principal del caso fueron practicamente nulas hasta el tramo final de investigación, a pesar de la gravedad del asunto. También se trata la persecución de homosexuales bajo el regimen, para los que crean que esta práctica era exclusiva de la Alemania nazi.

La banda sonora de Randy Edelman tiene muchos kilates. Viste con un elegante traje la tensa calma de la película y complementa a la perfección su áspero paisaje.

El filme nos regala dos interpretaciones extraordinarias, que se apoyan en dos enormes personajes. Stephen Rea está excelso dando vida al teniente al cargo de la investigación, al igual que Donald Sutherland, que interpreta a su mando superior. Juntos elevan la cinta muy por encima de sus posibilidades. No nos olvidamos del siempre excelente Max Von Sydow, que aparece para hacer de «exorcista en la vida real». Los que ya la hayais visto lo entendereis.

Estamos ante una película a reivindicar. Un retrato atroz de uno de los asesinos más sanguinarios que ha dejado la historia, Nunca es tarde para hablar de una película de la que no se ha hablado lo suficiente.

Para terminar rescato dos frases de las muchas brillantes que deja el guión:

«La fuerza de la burocracia se mide por la capacidad de no conceder todos los medios a los que los solicitan»

«Cuando pasas mucho tiempo con un león la idea de rugir empieza a parecerte cada vez más razonable»

La isla mínima: Aves migratorias

La isla mínima no es un hype, en un peliculón. Siempre me he mostrado muy contrario a la creencia de que el cine es una ciencia exacta, pues practicamente no hay nada más subjetivo que el séptimo arte, pero la calidad de La isla mínima es, a mi juicio, algo incuestionable. No recuerdo ahora mismo una película española que supere a nivel fotografía al trabajo que realiza Alex Catalán en esta isla. La película tiene planos grandiosos que aún no han abandonado mi retina. La imagen de los patos en el interior del auto mientras aparece el primer cadaver, la acción tras el parabrisas, los impresionantes planos aéreos iniciales… Para mi, La isla mínima marca el Teide fotográfico español.

Estamos ante una historia negra de la España postdictatorial. Alberto Rodriguez ya demostró en Grupo 7, cuya acción se desarrollaba en la Sevilla de la Expo 92′, que le gusta la historia reciente como telón de fondo. En las marismas del Guadalquivir, dos policias investigan la desaparición de dos niñas, encarnados por Raúl Arévalo y Javier Gutierrez. Cada uno representa a una España. Arévalo representa a la emergente izquierda, que se levanta con fuerza tras la dictadura. Gutierrez hace lo propio con una derecha condenada a adaptarse a la nueva situación. Con el transcurso de la acción veremos a la izquierda utilizando métodos de la derecha, una situación que a dia de hoy nos suena a todos. Inevitable no recordar la última película que entró en ese juego de espejos de los dos bandos, la enorme Balada triste de trompeta, de Álex De la Iglesia.

El duelo interpretativo entre Arévalo y Gutierrez  alcanza el notable, si bien es este último el que destaca por encima del resto de actores. Clava a su decadente facha aficionado al alpiste, que por momentos se convierte en Tejero para decir «¡Se sienten coño!». El que sigue sin levantar cabeza es Jesús Castro, al que no le vendrían nada mal unas clases de dicción.

Las comparaciones con la serie True detective son inevitables. Todo parece indicar que la película ya estaba rodada antes de la explosión de la serie, pero sus paralelismos son numerosos, tanto a nivel realización como en el lado oscuro de los personajes. La mayor diferencia es que la película de Rodriguez nunca pretende alcanzar las cotas de existencialismo de la serie de Fukunaga. La sombra de la duda. lamentablemente, perseguirá a la película. Aunque no haya inspiración ni plagio, la mera existencia de True detective penaliza a La isla Mínima.

En definitiva, estamos indudablemente ante una de las mejores películas españolas de los últimos años. Rodriguez sigue creciendo película a película, quitándose ese corsé que aprieta al cine made in Spain. No me queda más que recomendarla.

Godzilla vs Godzilla: Estados Unidos bajo el terror del monstruo

Em 1954 fui al cine a ver una película que se me ha grabado a sangre y fuego en la memoria, se tituló en España Japón bajo el terror del monstruo. Vale, no, no fue en 1954, soy muchísimo más joven, pero había que darle un poco de épica a la entradilla. La encontré en una estantería del videoclub a finales de los 90, y así es como surgió el amor tras una mirada furtiva… Era Godzilla, monstruo japonés e icono de la cultura underground. La mastodóntica industria de Hollywood ha intentado apropiarse del mito en dos ocasiones en los últimos veinte años, en ambas con escasa fortuna.

Godzilla, según Roland Emmerich

El 1996 Rolan Emmerich armó el blockbuster por excelencia: Independence day. Extraterrestres, Will Smith y altas dosis de patriotismo. El director alemán no solo reventó la Casa blanca, hizo lo propio con el Box Office de medio mundo. Con los niveles de autoestima en el cielo, decidió trasladar al Rey de los monstruos a Nueva York, y repetir taquillazo. Pero Godzilla encogió.

Para realizar el intento, esta vez Godzilla miró más a Hollywood que a Japón. La referencia clara de la película no estaba en oriente ni en la serie B, si no en Parque jurásico. La estética del monstruo y su forma de moverse es muy cercana a la del Tiranosaurio de Spielberg. Lástima que esa invasión del núcleo urbano ya la habíamos visto justo un año antes, en 1997, en El mundo perdido.

Uno de los aciertos de este Godzilla es su apuesta decidida por el entretenimiento. Su tono cómico y su absoluta falta de pretensiones ayudan a digerir un metraje que supera las dos horas.

El casting a dia de hoy solo se puede tildar de inclasificable. Se eligió a Broderick como protagonista para hacer de tonto útil al servicio de la película. Para internacionalizar el taquillazo se decidió insertar a los franceses en la trama, en concreto a uno de sus actores más populares, Jean Reno. No solo eso, la película comenzaba con el himno de Francia, que más bien parece una exculpación de responsabilidad en la creación del monstruo por parte de los americanos. Los guionistas aprovecharon los ensayos nucleares que Francia realizó hasta 1996 en el Atolón de Mururoa (en la Polinesia francesa) para explicar el origen de la criatura, lo cual puede interpretarse como una crítica a los mismos.

Los FX dejaron luces y sombras. Se puede decir que son ejemplares hasta que vemos al monstruo por completo. Con esto quiero decir que el gigantesco Kaiju gana cuando solo vemos su aspecto parcial. Quizá sus pisadas en la ciudad sea lo que mejor se ha conservado en la retina del espectador.

Por si la influencia de Parque jurásico aún estaba en duda, Emmerich decidió que Godzilla aumentara la prole dejando unos huevos en el Madison Square Garden. Novedoso, si no fuera porque los hijos de Godzilla son en realidad los velocirraptores de la película de Spielberg, o algo demasiado parecido. Me ha dolido especialmente como han acabado con estas pobres criaturas. Que eran recien nacidos joder.

No pasa nada si afirmo con total honestidad que he disfrutado de este Godzilla. Aunque poco tiene que ver con el mito japonés, data de una época en la que la misión era entretener, y hacerlo bajo un lema, cuantas más tomas con efectos visuales mejor. Ciertamente Godzilla lo consigue, ayudada por un humor que, aunque está muy lejos de ser inteligente, es simpático en ocasiones.

De regalo Emmerich consigue el mejor momento de la película bajo lo lluvia y con Godzilla derrotado, con los protagonistas mirandoló conscientes de que solo fue un cabeza de turco. Un momento de extraña melancolía al que le sucede la celebración del triunfo, sin duda una extraña victoria que viene a decirnos «The show must go on». Muy americano eso de llevar la caída del Kaiju a los informativos mientras esconden los motivos reales. Y ojo, que no es el único retazo político que Emmerich cuela en la trama. Es palpable la crítica explicita a los medios de comunicación, la lucha por la popularidad, y sobre todo, el uso electoral y la gestión de la tragedia por parte de los intereses políticos. Lo que hace el Alcalde de Nueva York en Godzilla ya lo hizo Acebes con el 11M.

Godzilla, según Gareth Edwards

El Godzilla de Edwards comienza en Filipinas, y con influencias puntuales de Alien y los infiernos H.R. Giger. Desde el primer minuto se intuye que veremos una versión más seria y solemne del mito, ese síndrome que padecen los blockbuster desde El caballero oscuro de Nolan. Si hasta sale Juliette Binoche. La intención del director Gareth Edwards es la de hacer n Godzilla más de «autor».

La primera hora es un auténtico dramón, con un Brian Cranston excesivo y desatado interpretivamente que recuerda al peor Nicolas Cage.  La Binoche es vista una vista y muere de forma lamentable en un guiño escotillero al Charlie de Lost. Ni un solo segundo de respiro en esta inmensa tragedia griega, ni una sola nota de humor. Creo ver por momentos el logo de Antena 3 que me recuerda que estamos ante un bodrio de sobremesa.

Para cuando Gareth Edwards se da cuenta de que la película era de monstruos ya está todo perdido. Aparece Muto, una araña que parece directamente salida del Starship Troopers Verhoeveniano. También vemos alzarse a Godzilla, un Godzilla más retro que en la película de Emmerich. un gran diseño de criatura del que solo puedo reprochar la ausencia de color verde. Pero estamos ante otro tremendo fallo. En lugar de centrarse en las criaturas, la película continúa su sinsentido con un episodio que parece una versión comprimida de Lo imposible, metiendo la desaparición de un niño en el ajo y el posterior reencuentro. Más que a los monstruos gigantes vemos a sus consecuencias. Lo peor es que Edwards se ha debido pensar que ibamos a llorar o algo de eso, pero no. No siento ninguna emoción por unos personajes fatalmente escritos y con los que no hay ninguna posibilidad de empatizar. Solo deseas que Godzilla los pise por error.

La acción es que no hay acción. No podemos llamar acción a las extrañas peleas entre criaturas, que más bien parecen escenas de sexo que se reducen a comprobar quien gime más alto. Solo oímos gruñidos, en plan partido de Tenis. Muto le ha debido de dar al Mute para que las caídas de edificios carezcan de cualquer estruendo. ¿Cómo es posible que la caída de un rascacielos sea algo sordo? El trabajo sonoro es insultante, y la banda sonora de Desplat tampoco mejora el conjunto.

En definitiva, estamos sin duda ante una de las peores películas de 2014. Más de 120 minutos sin hacer un mísero chiste, dándole seriedad a una película de Monstruos gigantes y llenándola de drama humano. Y Godzilla de secundario. Vamos, no me jodas. Que si se llega a llamar «Cosas que perdimos con el monstruo» o «Muto» tampoco pasaba nada.

Conclusiones

GANADORA: Godzilla según Emmerich

La versión definitiva de Godzilla está por llegar. Los productores se equivocan enmarcando la película en el presente. Es hora de que alguien le de a la adaptación el aire retro que merece. Sin duda la dificultad aumentaría a la hora de preparar el escenario, pero puede merecer la pena. Hay que mirar al Godzilla original para dar en el clavo. A eso habría que añadir altas dosis de humor absurdo, que estamos hablando de Monstruos gigantes. De tener que elegir una, me quedo sin duda con el Godzilla de Emmerich. La versión de Edwards es un insulto a la inteligencia.