20. THE ACT OF KILLING
19. WHY DON’T YOU PLAY IN HELL
18. V/H/S 2
17. I AM A GHOST
16. LAS BRUJAS DE ZUGARRAMURDI
15. MAGIC, MAGIC
14. PRISONERS
13. TOAD ROAD
12. PACIFIC RIM
11. LA GRAN BELLEZA
10. CHEAP THRILLS
9. THE MASTER
8. DRINKING BUDDIES
7. GRAVITY
6. COHERENCE
5. THE WORLD’S END
4. SPRING BREAKERS
3. LA VIDA DE ADELE
2. THIS IS THE END
1. YOU’RE NEXT
por Samdra
Amor. Ese concepto de relegado protagonismo en la filmografía de Michael Haneke. Un cineasta, en cambio, sí más interesado en elaborar discursos reflexivos sobre la representación de la violencia y las más oscuras pulsiones de la condición humana. Desde una proximidad distante y una frialdad que horroriza, el cineasta austríaco nos ha acostumbrado a historias en las que la culpa, la vergüenza o la incomunicación son temas recurrentes que irrumpen con violencia en espacios de cotidianidad. Aún y lejos de ser un monstruo desalmado, algo que deja patente en su última obra, Haneke es esa figura artística estimulante y necesaria que nos enfrenta, a través de la imagen, a ideas enterradas bajo los cimientos de una sociedad aparentemente tolerante.
No soy la persona más indicada para realizar un estudio exhaustivo de la importancia de un autor como éste en el marco cinematográfico contemporáneo, pero me resulta casi obligada dicha breve introducción a un tipo de cine con un lenguaje propio. Porque es precisamente en ese contexto definido en el que una historia tan dura como ésta sorprende por alcanzar unas cotas de sensibilidad y optimismo deslumbrantes e inéditas en el universo Haneke.
Amor y muerte. Las dos piedras filosofales sobre las que se construye Amour, un drama que rechaza el sentimentalismo desde la más absoluta simpleza y austeridad. Con la honestidad de narrar hechos que conmueven por su realismo, por una identificación casi obligatoria y por un final inevitable. Amour se ajusta tanto a una realidad transparente que es prácticamente imposible desconectar de ella. La historia universal de un amor que llega a su última etapa, y lo hace tropezando con una enfermedad que amenaza con destruir una dignidad forjada con los años y el respeto mutuo. Pero es ahí donde el amor resurge como salvación, haciendo frente a la muerte, mitigando el sufrimiento, respetando una decisión tomada aún en lucidez. Si en Moonrise Kingdom nos emocionaba el inicio de un amor, aquí nos estremece el final de su largo recorrido.
Cuenta el propio Haneke que escribió esta historia para Jean-Louis Trintignant, junto a Emmanuelle Riva, la pareja que sustenta el peso dramático principal en la película. De hecho, fue el mismo Trintignant quien propuso el título de ‘Amour’. Los dos actores conmueven por su vulnerabilidad. Están interpretando una historia que es su presente, y lo hacen con una sensibilidad y dedicación que hiela la sangre. El deterioro balbuceante de ella y la ternura en el trato de él en un único espacio que se convierte en un nicho de emociones. Entran y salen personajes con vidas más allá de la trinchera que Haneke construye a esta pareja de ancianos autosuficientes. Personajes ajenos a una responsabilidad constante, un tratamiento de compañía y atenciones básicas. Destacable el cinismo de sello que el austríaco vierte sobre la figura de la hija –interpretada por la que fue su Pianista, Isabelle Huppert – en encuentros de violencia verbal que hacen colisionar el egoísmo de ella y las responsabilidades de él.
“No me siento culpable”. Amour incomoda, aunque no sea su objetivo. No es el baño de La Pianista, ni el comedor de Funny Games, no es el suelo de la habitación de Benny, ni el apartamento de los Schober, ni la pared manchada de Caché (Escondido). Es una incomodidad cálida. Haneke no es culpable de mostrar una realidad a la que todos estamos expuestos. Hay tantas películas como historias posibles, y esta es la historia de un cineasta que se acerca a un momento culminante de su vida desde una perspectiva admirable. Amour es esa caricia de Trintignant a Riva para calmar su dolor.
15. Chronicle
Fascinante mockumentary de ciencia-ficción ultra realista que otorga superpoderes a unos adolescentes. La madurez nunca fue tan peligrosa.
14. Stitches
El resurgir británico de la figura del payaso asesino en un hilarante slasher cargado de malas intenciones, humor grueso y gore a cascoporro.
13. Sightseers
Por la delicada construcción, en un guión desbordante de humor negro, de los dos serial-killers más excéntricos y adorables de Inglaterra. Y también una historia de amor.
12. The Raid
Exhibición adrenalínica de artes marciales durante una hora y media incesante de ostias como panes. Un despliegue de acción física que deja en evidencia la filmografía de Jean Claude Van Damme y Chuck Norris.
11. REC 3
Un atrevido soplo de aire fresco a una saga de terror patrio de referencia. Una renovación en clave de comedia y romance con litros de sangre que apela al corazón cinéfilo del fan de Posesión Infernal o Braindead en versión Kill Bill.
10. Antiviral
Prometedor debut de Brandon Cronenberg, hijo de David, heredero de la Nueva Carne. De fondo crítico y elegante forma, un thriller de estética luminosa que esconde una lectura oscura y sombría de la sociedad futura.
9. Take Shelter
El apocalipsis de la mente o el miedo como una de las peores enfermedades del siglo XXI. Un torbellino de géneros. Una tormenta intensa de interpretaciones. MICHAEL SHANNON.
8. Moonrise Kingdom
No es que sienta particular predilección por el universo de Wes Anderson, pero este cuento de amor de dos jóvenes inadaptados e incomprendidos, de milimetrada y colorista puesta en escena me robó el corazón.
7. Sinister
Cuando el cine de terror de cartelera parecía reducirse a infames secuelas paranormales, unos vídeos TERRORÍFICOS de asesinatos rodados en Super 8 se cuelan en una historia de terror clásica y nos hacen estremecer en la butaca.
6. Amour
Con un título así, cualquiera diría que se trata de una película del cínico de Haneke. El austríaco sigue aquí fiel a su estilo con un retrato de la vejez de doloroso visionado pero sutil y conmovedor en su definición del amor más puro, el de la salud y en la enfermedad.
5. The Grey (Infierno Blanco)
Un Liam Neeson majestuoso en puro cine de supervivencia que se plantea la fina línea que separa la vida y la muerte en una situación límite. Un viaje intenso y sufrido con momentos para la acción y la contemplación. Si hubiera estado protagonizada por un ciego o un cojo seguro que tendría nominación al Oscar.
4. Tyrannosaur (Redención)
Un drama que hiela la sangre. Tyrannosaur golpeó mi mente con la misma fuerza que Peter Mullan –cuya interpretación va mucho más allá de lo premiable- golpea a su perro. Hay tanta ira y tanto dolor en la película de Paddy Condisine que cuesta entender porqué quieres volver a verla.
3. Thanatomorphose
Reservada solo para estómagos tolerantes, el debut largo independiente de Eric Falardeau es una poderosísima muestra explícita de la descomposición de un cuerpo en vida. Una película que amplia aún más los límites del género desde el cine independiente. Una sorpresa desagradable. Una joya vomitiva.
2. The Cabin in the Woods
Un caramelo para el aficionado al cine de terror. Un manual de instrucciones para disfrute de los principiantes y orgasmo de los avanzados en materia. Entretiene y divierte como espectáculo, emociona y funciona como homenaje y desglose de las reglas y clichés del género. El top of the tops del género del 2012.
1. Prometheus
Podría defender mi número 1 solo con los 15 primeros minutos de prólogo, un espectáculo visual en 3D que hace babear hasta al más escéptico. Pero Prometheus es algo más que un plano secuencia aéreo de documental, es el retorno al universo de Alien con el respeto y el amor de su creador. Un espectáculo de ciencia-ficción que tiene los cojones de jugar a preguntarse de donde venimos y al rato montar un pressing catch de un pulpo gigante contra un monstrenco pálido dionisíaco. Me gusta porque es polémica. Me gusta porque no termina cuando dejas la butaca. Me gusta porque tiene la mejor escena de cesárea de la historia del cine.
Por Samdra
En mayor o menor grado de intensidad, todos nos hemos amarrado alguna vez al poder del flecha arriba-flecha abajo-círculo-start y hemos dedicado horas insensatas a destrozar ladrillos con Mario, impulsar a Sonic por espirales vertiginosas y mamporrear el mando con la esperanza de desbloquear los ataques especiales de Chun-Li. El imaginario de videojuegos de una generación que cumple el cometido de activar el sensor nostálgico en el espectador que se acerque al cine a ver el último ¡ZASCA! de Disney a Pixar: Rompe Ralph.
Su director, Rich Moore –uno de los tipos detrás de episodios de Los Simpsons y Futurama– ha concebido un enorme salón recreativo animado donde los clásicos juegos Arcade conviven con los modernos shooters de alta definición para dar respuesta a una fantasía Toystoriesca: ¿Qué hacen los personajes de videojuegos cuando no les vemos?
Es una historia sencilla de villano amargado que un día decide dejar de serlo, y para conseguirlo, recorre todas las plataformas que sean necesarias para alcanzar la medalla que le permita ser héroe por un día y ganarse el afecto de sus compañeros de partida. Busca cambiar las tornas con el protagonista de su aventura animada –Félix–, y, por una vez, ser el que repara en lugar del que siempre destruye. Pero no es consciente de que su renuncia puede condenarles al infierno de la avería y desterrar a sus amigos al olvido.
La película, como cualquier videojuego que se precie, funciona a tres niveles: fácil, medio y experto. El usuario más avanzado –en edad– podrá acceder sin problemas al subtexto que destila los ya muy sobados valores de las compañías del señor congelado: sé tu mismo –blablablá–, no importa lo que piensen de ti sino lo que tu sabes que eres –blablablá–, juntos podemos combatir cualquier mal –blablablá–. El acierto aquí es que, excepto en momentos especialmente explícitos emocionalmente entre nuestro protagonista Ralph y la versión punki moderna de la Mérida del Brave de Pixar, todo eso queda recubierto por una suerte de homenaje a los videojuegos de ayer y hoy.
Así, el gamer más entregado tendrá a su alcance todo un mundo de huevos de Pascua (ese avanzar frente a una pared, esos movimientos de la generación 8 bits de los habitantes de “Repáralo Félix”) que agradecerá con una sonrisa de soberbia en saberse el más experto de la sala. Como aquel Seth McFarlane que cede un cameo a Mario en un episodio de Family Guy para que aplaste a la tortuga asesina de Stewie.
Pero también resultará accesible para el usuario medio, al que me dirijo en el primer párrafo, aquel que disfruta al descubrir en segundo plano personajes que son ya una referencia clave del videojuego: Mario, Sonic, Bowser, Pacman…etc. El mismo que reconoce y descompone los escasos universos que se recrean en la película, que al final acaban excediendo el protagonismo de la confitería de Sugar Rush. No hubiese estado de más explorar otros escenarios y recortar la sobredosis edulcorante final, que por mucha gracia que nos hagan las OREO cantarinas o los Mentos con CocaCola, al final una acaba vomitando insulina.
Pero es indiscutible que Rompe Ralph también se ganará el corazón de los más pequeños, encandilados ellos con el despliegue psicodélico de colorido y chuchería. Soltando carcajadas con el intercambio de insultos light entre la niña rebelde con ‘pixlexia’ y el grandullón bonachón, y animando a Vanellope en su auto de diseño exclusivo de taller de minijuegos.com.
Rompe Ralph no logra desbancar a Paranorman en mi Top 1 de animación 2012, pero es una divertida alternativa para toda la familia y un caramelito para que los gamers se pasen el juego del “¡yo he pillado eso!” en nivel experto.
por Samdra
Comprendan de antemano los fanáticos de la literatura de Tolkien, a los que respeto y admiro por ese don para no extraviarse entre linajes, que como bien saben, el paseíto del anillo se ha convertido ya en un fenómeno cinematográfico de entidad propia y es posible valorar el trabajo de Peter Jackson sin haber recurrido antes a las páginas de la novela. Ofreciendo una visión menos precisa e inconclusa de la adaptación y permaneciendo impasible a los guiños con El Silmarillion, si-bueno-vale-de-acuerdo, pero no por ello debemos ser castigados a arder en el infierno de la ignorancia, ¿no?
Me voy a permitir el lujo de dar por sentado que los aquí lectores han visto las anteriores aventuras de La Comunidad, entre otras cosas porque es básicamente a ellos a los que va dirigido este nuevo episodio de La Tierra Media que, narrativamente, se sitúa 60 años antes de la partida de Frodo y Sam hacia el fuego de Mordor. Jackson apela descaradamente al recuerdo para devolvernos a La Comarca desde el minuto 1, manipulando nuestras emociones -en positivo- con el reconocible tema del compositor Howard Shore que llama al hobbit que llevamos dentro.
Me apetece definir ‘El Hobbit’ dentro de las mismas fronteras del basto y surtido universo Jackson-Tolkien. Me explico. Pongamos que la trilogía de El Señor de los Anillos es el King-to-be Aragorn-hijo de Arathorn-heredero de (Tristán e) Isildur pronunciando con majestuosidad y valentía aquello del “…veo en vuestros ojos el mismo miedo que encogería mi ojayer…” frente a la Puerta Negra de Mordor acompañado de un ejército de bravos y leales soldados de Gondor y Rohan. Miremos la escena desde la divinidad slow motion de los movimientos de Arwen en todas sus apariciones. Ese aplaudido empacho de batallas épicas, hazañas heroicas, situaciones trascendentales, diálogos de sentencia rotunda, paisajes de wallpaper, criaturas dantescas y seres entrañables, sangre de orco y hierba de La Comarca… ¿Me seguís, no?
Bien. Pues El Hobbit sería, entonces, el punto intermedio entre la party-hard de Bilbo Bolsón en La Comunidad del Anillo y el “YOU-SHALL-NOT-PASS!” de minas Moria, observado desde la mirada curiosa del Pippin que pone en riesgo su vida para evitar la muerte por calcinación del caballero Faramir-hermano de Boromir-hijo de Denethor-rey de Gondor. Traducido a la lengua romance para los no familiarizados con el lenguaje élfico: las aventuras de Bilbo Bolsón en El Hobbit no siguen ni el tono, ni las pretensiones, ni la grandilocuencia que encumbró merecidamente a la trilogía que le precede. Pero no por ello pierde en espectacularidad, lo mantiene e incluso lo supera gracias a la mejora de los efectos y el amor por el detalle.
El objetivo de esta nueva Comunidad no es la defensa ante un mal endémico que ansía el poder absoluto y la destrucción de toda forma de vida en un entramado memorable sobre la lucha Bien-Mal y la unión-hace-la-fuerza. Es más modesto, los múltiples frentes dinámicos de allí se reducen aquí a un viaje iniciático de Bilbo Bolsón y a la travesía de una compañía de enanos que anhela recuperar su hogar, y de paso un tesoro que allí les aguarda, que tontos tampoco son. Y en medio de todos, como no podía ser de otro modo…el viejo y sabio Gandalf (el abuelo de Heidi de la Tierra Media), una vez más encargado de poner un poco de orden y cordura al `Aquí no hay quien viva´ constante de la Tierra Media.
Un Viaje Inesperado es una presentación, el inicio de una larga aventura que tiene por delante dos discutidas secuelas -bienvenidas para la que aquí suscribe-. Es una historia “adornada” (en palabras del mismo Gandalf), un cuento de aventuras que arranca con un fantástico prólogo de conexión y una posterior presentación de personajes que busca la complicidad a través de la nostalgia y la comicidad. A todo ello ayudan los divertidos tics nerviosos de un espléndido Martin Freeman que da vida a un Bilbo Bolsón rejuvenecido con el que empatizamos en un parpadeo.
Y volvemos a la travesía. Y otra vez a andar. Y el camino continua. Y nos volvemos a maravillar con las espectaculares tomas de Jackson en Rivendel, ciudad de vacaciones para elfos de alta nómina. Y recuperamos a un Gollum cuyas expresiones han sido tan perfeccionadas que ya no sabes ni donde empieza Andy Serkis y donde acaba Gollum, ni porque no aparece Steve Buscemi también en los créditos. Y entre los 13 enanos de la compañía, se esconde en secreto el líder de Red Hot Chili Peppers. Y descubrimos que hay un nuevo mago afiliado a PETA. Y guiños geológicos a Transformers. Y de repente Jackson se saca de la manga una escena tediosa de Greatest Hits con rostros familiares. Y hay orcos, ¿cómo no va a haber orcos? ¡Por dios, hay orcos A GRANEL! Pero hay mucho más que eso, hay dos nuevos grandes enemigos a batir, y uno de ellos tiene el mismísimo aspecto de un ingeniero de Prometheus corrompido por el poder del anillo.
Y sí, la película viene precedida por un sinfín de cifras y números que tienen al espectador medio trastornado. ¿24, 48, 96 o 328 fps? ¿2D, 3D ó 4B? ¡¿3 horacas de película?! Si os sirve de alivio y os ahorra sufrimiento, yo la vi en 24fps (vamos, lo habitual), 3D (sí, merece la pena) y aguanté los casi 160 minutos sin hacer pipí ni preocuparme de mirar el reloj. JACKSON, GIMME MORE, I’M READY.
La Vaca de Twister 