Whiplash: La música con sangre entra

Tras ganar en Sundance (Mejor película y Premio del público) y conseguir Premio en la Seminci de Valladolid (Mejor director novel), Whiplash ha conseguido rascar cinco nominaciones al Oscar. Una recompensa (escasa) que ha hecho de altavoz a una película que sin duda merece atención.

La película nos cuenta la nada entrañable relación entre un batería de jazz con hambre de trascendencia y su colérico profesor.  Así es como Whiplash nos ofrece uno de los duelos interpretativos del año, el que enfrenta a Miles Teller y JK Simmons. Este último es el virtual ganador del Oscar al Mejor actor secundario, mientras el joven Teller ha sido ninguneado por la Academia. Sin duda la presencia de Simmons impone, pero el personaje de Teller requiere un esfuerzo interpretativo mayor, puesto que tiene más matices. y el intérprete responde perfectamente a sus exigencias. Dicho esto JK Simmons está perfecto, y será recordado, pero su personaje son 10 gestos y 10 gritos.

El director Damien Chazelle nos plantea un interesante debate sobre si el genio nace o se hace. ¿Se necesita disciplina extrema para triunfar o realmente los genios ya vienen de serie? JK Simmons es el Aladdin que frota la lámpara, con riesgo alto de que la misma se acabe rompiendo. Es fácil pensar que personajes como el suyo están en peligro de extinción, pero os aseguro que aún quedan. Sin ir más lejos, hace unos años vi como un profesor le montaba un pollo tremendo a una niña porque las zapatillas de ballet que llevaba eran de otro color ¿Es necesaria la humillación en el proceso de aprendizaje? Cada espectador tendrá la posibilidad de sacar sus propias conclusiones, pero yo tengo mi punto de vista: Rotundamente no.

La película transcurre a un ritmo frenético, y consigue hacer reflexionar desde el entretenimiento. Por momentos Whiplash se convierte en un auténtico thriller musical, que se ve favorecido por un acertadísimo montaje. El punto laser que tiene en la frente Elijah Wood mientras ejecuta la pieza de Grand Piano es una masaje al lado de la presión que ejerce el profesor sobre el aprendiz de batería.

Con todo esto, Whiplash esta lejos de ser una película redonda. Una de las cosas que la frena de cara a alcanzar cotas mayores es su estructura de cine deportivo/historia de superación. Si la analizamos, no deja de ser la típica película de novato que entra en el equipo de fútbol americano, donde se encuentra con un entrenador totalmente desquiciado que acaba por sacar lo mejor de él. La película surge de una idea sencilla, aunque consigue desarrollarla de forma brillante.

En definitiva, estamos ante una muy recomendable ópera prima que además es un gran entretenimiento en si misma. Merece la pena apuntarse a este conservatorio  y disfrutar en el cine de su desatado climax final.

Lo mejor: El recital de Miles Telles y JK Simmons. Uno de los mejores duelos interpretativos de los últimos años.

Lo peor: Su estructura de cine deportivo. Sota, caballo y rey.

 

 

Birdman (O la inesperada virtud de la ignorancia): Alas sobre Broadway

Birdman comenzó en Cannes una meteórica carrera de premios y reconocimientos que la han llevado hasta la noche de los Oscar, donde parte en primera linea de la parrilla con 9 nominaciones. Quizá por eso nos temíamos otra película del gusto de los académicos, pero al salir del cine respiramos tranquilos. Birdman es otra cosa. De hecho, hacía mucho tiempo que no veía tantos espectadores con cara de poker al terminar una proyección.

Y es que Iñarritu se ha quitado el freno de mano para ofrecernos una película arriesgada, y creo que completamente controvertida. Birdman es fácil de amar, fácil de odiar, pero su esfuerzo por aportar algo diferente es innegable. Quizá le pase factura ahora esa moda crítica de poner a parir y vilipendiar todo lo que oficialmente mola. Ya le pasó (inexplicablemente) a una película que al contrario que esta es cero controvertida, una joya llamada Boyhood.

Birdman cuenta la historia de un actor célebre por encarnar a un superhéroe que pretende reconducir su carrera ganándose el respeto del público de Broadway con una obra que además dirige.

Su forma es llamativa, un falso plano secuencia no cronológico que hace uso de la elipsis, Nada que no hayamos visto a estas alturas. Quizá lo más llamativo sea el uso del espacio. Si algo consigue el tandem Iñarritu-Lubezki es llevarnos a la primera linea de Broadway.

Al frente del reparto encontramos a Michael Keaton, que hace una parodia de si mismo (No olvidemos que fue murciélago antes que pájaro). Si bien consigue una buena interpretación, pierde en su duelo con un afilado Edward Norton o una inspirada Emma Stone. Ambos acaban con él en cada escena compartida.

Birdman tiene tantas aristas que os recomendaría huir de toda crítica que incluya verdades absolutas o minimice su mensaje a «Crítica del Blockbuster» o «Crítica de la industria«. Solo hay que ver como el personaje de Emma Stone se cepilla salvajemente al público de «Arte y ensayo», quizá en un intento de equipararlo al (inexplicablemente) poco respetado gran público, sobre todo por parte de esa (supuesta) élite intelectual cinematográfica. También leereis que estamos ante una crítica a la crítica, cuando la película más bien critica el como se las toman algunos en la profesión, tanto los que viven de las buenas  (Como es el caso de Norton) como los que se azotan con las malas.

Dicho todo esto veo dos cosas que le puedo achacar al filme. La primera es subjetiva, y es que no me ha llegado, no ha conseguido tocarme la fibra. La segunda es más general, y se trata de la ausencia de una premisa potente que hace muchos se tiren del barco del interés. Birdman hipnotiza, pero no te pega a la butaca y te somete a un «¿Qué pasará?». Esa banda sonora whiplashiana tampoco consigue marcar bien los tiempos, y a veces apunta directamente a la cabeza. Para mi sobraba.

En definitiva, estamos ante una peculiar película de esas «que hay que ver», aunque sea para discrepar, que de ganar en la noche de los Oscar sería una «rara avis» (nunca mejor dicho).  Para mi gusto, una buena película que queda en intento de ser algo más. Aún así me he quedado con ganas de verla otra vez, lo cual ya se puede considerar positivo.

Un consejo, si no la habeis visto aún huid de trailers que os den pistas de su argumento. No hay nada como llegar virgen al cine.

El hobbit: La batalla de los cinco ejércitos. Tensión sexual no resuelta

Muchas cosas por comentar tras ver El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos. La primera pregunta sería… ¿Ha merecido la pena esta nueva trilogía? Yo diría que la experiencia no ha sido satisfactoria, pero lo digo después de haber pagado cada navidad la entrada de la película. Este viaje ha sido «lo mismo pero peor». A pesar de que El Hobbit y El señor de los anillos adaptan libros diferentes hemos visto películas idénticas, sobre todo en sus respectivas primera y tercera película. Tanto La comunidad del anillo como Un viaje inesperado eran dos películas de aventuras y caminata que partían desde La Comarca, pasando por tierra de elfos y desembocaban en un final inconcluso. Lo mismo ocurre con El retorno del rey y La batalla de los cinco ejércitos, películas que se pueden calificar como bélicas, o vulgarmente «de gente que ha quedao pa’ darse unas hostias».

Si en la mítica primera trilogía se hablaba de versiones extendidas en el Hobbit podemos hablar de versión alargada. Peter Jackson debió de ser uno de los primeros compradores del Jes Extender (nombre del más célebre de los alargadores de pene), porque no se entiende de otra manera el hacer tres películas de un libro de 324 páginas. Para que os hagais una idea, El señor de los anillos tenía un total de 1.368 hojas.

La batalla de los cinco ejércitos es El retorno del rey, pero despojada de épica. Peter Jackson ha intentado metérnosla haciendonos creer que El Hobbit es una sucesión de peleas, cuando en realidad el libro no es más que una gran aventura. Tolkien se hubiese llevado las manos a la cabeza al ver lo que Jackson ha hecho con la esencia de su ejemplar.

Si en El señor de los anillos Jackson nos hablaba de la relación de amor entre Frodo y Sam, en esta ocasión hace lo propio con Thorin y Bilbo Bolsón, un amor homosexual entre razas de la tierra media que no termina de materializarse. No explico de otra manera que Bilbo, claramente nervioso y reprimido diga «Es mi… Es mi… Es mi… Es mi… Es mi… Amigo» ¿Tan dificil era decir Amor platónico? Las ganas de estos dos de acabar entre arbustos son evidentes. Como ya dijo Jay en Clerks II, ese hubiera sido el final lógico, en referencia al interminable final de El retorno. Quizá hubiera sido la escena salvadora de tan recatada trilogía.

Los FX son una de las cosas que menos me han gustado de este filme. ¿El problema? Ahorrar pasta con orcos con ordenador. SI al menos dieran el pego… Pero no, estos orcos se acercan más a masillas de los Power Rangers que a temibles archienemigos. En tres palabras, son unos mierdas. Otro elemento que se podían haber ahorrado son esas escenas unicamente dedicadas al 3D. Hollywood debe asumir que las tres dimensiones ya no funcionan.

Quizá el gran error de esta trilogía fue sentar en la silla de nuevo a Jackson. Nos quedamos con la duda de como hubiera sido este proyecto otorgándole plenos poderes a Guillermo Del Toro, o a Whedon, o a Nolan, o a Gunn, o a Ken Loach, pues tampoco se ha terminado de exprimir uno de los principales temas de la tierra media: La avaricia humana, o como nos corrompemos, tema muy de moda por cierto.

No se si volveremos a la Tierra de Media, pero de volver me gustaría ver enterito a Sauron.

The imitation game (Descrifrando enigma): Todo por un Oscar

De no existir la noche de los Oscar puede que The imitation Game (Descrifrando enigma) hubiese sido una gran película. Sin duda estamos ante una cinta correcta, pero tanta corrección es lo que la acaba matando. Lástima, porque el material sobre el que se trabajaba es extraordinario.

La película cuenta la historia de Alan Turing, el padre del primer ordenador. Por un lado veremos su gran hito, la creación de la máquina que logró desifrar los mensajes encriptados que enviaban los nazis durante la segunda guerra mundial. Por otro, su lado más íntimo, en el que se trata como vivió su homosexualidad.

Del director Mortem Tydlum nos apasionó su anterior película: Headhunters. Estaba repleta de irreverencia y mala leche, así que aún entendemos menos este biopic hecho con corsé, aunque podría apostar a que no han faltado presiones por parte del estudio.

El nudo, que nos habla de la creación de la máquina tiene a mi entender un problema. No se nos explica bien su funcionamiento. Sabemos que está hecha para traducir la máquina Enigma, sabemos que tiene cables y elementos que dan vueltas y vueltas, pero podían haberse esforzado en explicarnos como se consigue, aunque sea en versión para niños. Más acertado me parece como trata la homosexualidad del personaje, usando su historia para recordar la persecución que vivieron estos en la Inglaterra de la época. Que nadie piense que los únicos enemigos de las libertades estaban en el eje del mal.

Solo he oído halagos para la interpretación de Cummberbatch, halagos que no comparto. Mi razón es sencilla: He visto durante dos horas a Benedict Cummberbatch. Ni rastro de Alan Turing. A nuestra amiga Keira Knightley le quedaba bastante mejor su encantador personaje de Begin Again que el de florero inteligente que vemos aquí. Más allá de Turing solo vemos una inmensa llanura de personajes planos.

Puede que la partitura de Alexandre Desplat no esté mal, pero estamos ante una de esas músicas que intentan guiar todo sentimiento. Imagino a los montadores diciendo… «Mete ese pasaje aquí que el espectador tiene que llorar». Curiosamente a mi me pasa al revés. Cuando se pretende emocionar con música de llorar me acuerdo de que estoy viendo una película, lo que me descentra totalmente.

Para las escenas bélicas se ha usado la fórmula de «El discurso del rey». Escenas con FX muy poco elaboradas, más dignas de un producto para TV que del cine. Si no quieren mostrar nada sobre la guerra hay un recurso ideal, y se llama elipsis. El segundo se llama archivo.

En definitiva, quizá sería injusto decir que The imitation game es una mala película, pero es un filme hecho con el piloto automático, con la cabeza puesta en el gusto académico. El riesgo es mínimo, es ir a la playa con protección 50, usar flotador en la piscina infantil… Vaya símiles se me ocurren en pleno invierno… Los aficionados a esto tendreis que verla para tener opinión en la lo noche de las estatuillas, pero no hay mucho más allá. Corran riesgos señores/as.

Musarañas: Dale a ese cuerpo matarile Macarena

Tras un «Álex De la Iglesia presenta» muy Hitchcockiano comienza Musarañas, el debút en el largometraje de Juanfer Andrés y Esteban Roel. La película cuenta la historia de dos hermanas en la España de los años 50. Montse (Macarena Gómez), la mayor, guarda luto por la muerte de su madre, y le horroriza la idea de salir de la casa. Su hermana pequeña (Nadia de Santiago) intenta hacer vida normal mientras sufre los ataques de ira de la primogénita. Su convivencia se verá condicionada por la aparición de Carlos (Hugo Silva).

Estamos ante una película de pocos personajes y espacio represivo. La casa se convierte en una de las protagonistas, una casa decorada por el ultracatolicismo que marca la personalidad de Montse. La vivienda es una auténtica carcel de crucifijos.

Encuentro tres grandes referencias en Musarañas. La primera es la España del luto que vimos en la obra La casa de Bernarda Alba, de Federico García Lorca. Las hermanas Alba no distan mucho de estas. La segunda es Carrie, la relación entre la primogénita y su hermana recuerda a la que tuvieron Piper Laurie y Sissy Spacek en la película de De Palma, donde esta última era una auténtica víctima del fanatismo religioso de la primera. Sobre todo lo vemos en los ojos que pone Macarena a la relación de su hermana con los hombres. La tercera es Misery, la novela de Stephen King que adaptó con éxito Rob Reiner.

En el apartado interpretativo Macarena Gómez se eleva sobre el resto de intérpretes. La actriz se apodera rapidamente de la película con una enfermiza actuación para el recuerdo. Es extraño, porque a pesar de sus malas artes, Macarena consigue que empaticemos con su personaje. Si se hace justicia, debería ser una de las candidatas al Goya a la mejor actriz.

A la película no se le puede achacar falta de sangre en su parte final. Las paredes de la vivienda pedían a gritos una mano de pintura, y vemos en Macarena una clara vocación hacia la pintura de brocha gorda. Los afortunados giros finales hacen de Musarañas una experiencia satisfactoria.

Alex De la Iglesia teje Musarañas

Poster de ventas internaciones de Musarañas

Aunque la película atraviese varios lugares comunes y caiga en algunos clichés, merece la pena disfrutar de este entretenido y bien ejecutado episodio de la España negra. Buen nivel para hacer del «Alex De la Iglesia presenta» una marca competente.

Las mejores películas de 2014, según La vaca de Twister

La vaca ha hablado… A pesar de los que dicen que el cine empeora año a año, 2014 ha sido un año de películas enormes. Leche recien ordeñada. Estas han sido nuestras preferidas:

13. La gran estafa americana, de David O. Russell

Una oda a todo lo cutre de los 70. Dirección artística sublime. A pesar de  no ser una película redonda contiene muchas de las escenas del año. Enormes JLaw y Amy Adams.

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12. Anarchy: La noche de las bestias, de James DeMonaco

Tras situar a The purge como una de las cacas de la vacas del pasado año James DeMonaco remonta unos meses después hasta este top anual. Anarchy amplia su universo para llevarnos por una jungla GTA con trasfondo político. Una lavada de cara de la franquicia que desarrolla con bastante más acierto su gran premisa. Un buen entretenimiento de Serie B al que solo le puedo achacar no meter Mi gran noche de Raphael en la banda sonora. El placer culpable del año.

11. La cueva, de Alfredo Montero

La Cueva llegó en verano para demostrar que hay vida en el Found Footage español después de REC. Angustiosa experiencia en caverna que nos dejó sedientos y echando de menos la vida exterior. La entrada es obligatoria para los amante del género.

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10. Guardianes de la galaxia, de James Gunn

Tras el primer trailer pocos imaginaban que estos Guardianes de la Galaxia podían funcionar en pantalla grande. Todo un acierto de Marvel dejarle hacer a James Gunn, que ha sabido trasladar a la pantalla el carisma de los personajes originales. Aire retro y nostalgia para regalar que han hecho que se compare a estos Marvelitas con Star Wars. Una de las grandes sorpresas del año.

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9. El Gran hotel Budapest, de Wes Anderson

Wes Anderson con algunos de los mejores actores de Hollywood a su servicio en un hotel del alta montaña. Con estas cartas era dificil fallar. Un nuevo paso adelante en la carrera de un cineasta imprescindible de nuestro tiempo. Un cine que cuida cada detalle.

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8. El soldado de invierno, de Anthony y Joe Russo

La segunda aventura del Capitán América es la mejor película del Universo Marvel hasta la fecha. Todo esto gracias al buen trabajo de los hermanos Spierig, que son capaces de ofrecer grandes escenas de acción sin descuidar el argumento y sin abusar de efectos digitales. Los asuntos internos de S.H.I.E.L.D llevan la franquicia a otro nivel.

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7. Rompenieves, de Bong Joon-Ho

Bong Joon-Ho comprimía el mundo en formato tren en su Rompenieves (Snowpiercer). El director de Memories of murder o The host demuestra que su cine también funciona con actores occidentales. Una película de entretenimiento cargada de mensaje que es a su vez un gran poema sobre la esperanza.

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6. La isla mínima, de Alberto Rodriguez

La isla mínima marca una nueva cota en la fotografía del cine español. Arévalo y Gutierrez son solo dos secundarios en este crepuscular thriller neo-noir en el que las auténticas protagonistas son las marismas del Guadalquiviir. Extraordinaria.

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5. Boyhood, de Richard Linklater

Linklater se deja de las chácharas filosóficas de la trilogía «Antes de…» para mostrarnos la vida misma desde los ojos de Ellar Coltrane.Tres horas que no pesan gracias al buen trabajo interpretativo y a la recopilación de hits generacionales de la banda sonora. Toda una experiencia que comprime en un ZIP doce años de vida.

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4. Interstellar, de Christopher Nolan

Christopher Nolan volvió a acertar en la que es hasta ahora su película más controvertida. Nosotros aceptamos entrar en su agujero de gusano. Una odisea en el tiempo con un cowboy de guía: Matthew McConaughey.

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3. Coherence, de James Ward Birkyt

James Ward Birkyt demuestra que con pocos elementos se puede hacer una enorme película de ciencia ficción. Basta con una cena de varios comensales y ganas de entrar en su juego. Además el director es capaz de desenrredar a la perfección su propio nuedo, y eso también se agradece.

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2. El lobo de Wall Street, de Martin Scorsese

Martin Scorsese se niega a acomodarse como muchos de sus colegas. A sus 72 años sigue en su primera línea sin perder un ápice de ilusión. En 2014 nos trajo una enorme película que era a la vez un divertimento y una película atroz sobre la crisis. Scorsese frenético, rodando como si fuera un adolescente, y Dicaprio sacando a relucir todo su potencial. Este lobo será recordado.

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1. Magical Girl, de Carlos Vermut

Y de pronto apareció Carlos Vermut para poner patas arriba el cine español demostrando que aún se puede hacer algo diferente. El resultado, una merecidísima Concha de Oro que revaloriza el propio galardón. Personaje para el recuerdo de Barbara Lennie secundado por los enormes José Sacristán y Luis Bermejo. Merece la pena pasar el tiempo encajando las piezas de puzzle.

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Fueron las mejores en 2013…

1. The lords of Salem

2. Dolor y dinero

3. Prisioneros

4. La vida de Adele

5. La caza

Fueron las mejores en 2012…

1. The cabin in the woods.

2. Looper

3. Holy motors

4. El caballero Oscuro: La leyenda renace

5. Prometheus