Under the skin: Desnudando al monstruo

EL FANT 21 nos ha dado la oportunidad de ver Under the skin en una sesión especial. La película está llamada a ser un título de culto de  la ciencia ficción, si es que no lo ha conseguido ya. El filme de Jonathan Glazer (Sexy Beast, Birth) está en las antípodas del cine comercial. Los que vayan acudan a verla por el reclamo del desnudo de Scarlett Johansson se van a llevar una buena sorpresa.

Es dificil explicar el argumento de Under the Skin. Simplificando mucho diría que nos cuenta la historia de una alienígena (o algo raro) que se dedica a ligar al estilo 1.0. Sin whatsapp, facebook, twitter, Grindr, Meetic, Badoo o Yahoo respuestas. ¿Extraño verdad? Aunque a la Johansson no le haga falta la tecnología para pillar cacho, también os lo digo. La película nos presenta a una auténtica cazadora de humanos.

Estamos ante una propuesta muy visual  en la que las lineas de texto pasan a un segundo plano. He leído en otras críticas sobre la influencia de 2001: Una odisea en el espacio en la película, pero a mi juicio solo está presente en el uso de destellos. Poco a nada más. También se asoma levemente Blade Runner por el deseo humano de la protagonista, aunque en esta ocasión se cambian seres artificiales por vida extraterrestre.

Tras  ver la película no se entiende que Scarlett Johansson no ha optado a todos los premios de la temporada. De hecho, en la carrera de la película solo veo una nominación para ella en los Premios Gotham. La actriz hace una interpretación tan compleja como fascinante. Scarlett está muy por encima de lo que hace, por ejemplo, Julianne Moore en Still Alice, la ganadora del Oscar de la última cosecha.

Under the skin es una buena película. Glazer consigue una notable colección de escenas y sensaciones. Del desasosiego de esa playa británica en la que un niño corre peligro directo a la muerte al infierno negro en el que caen las víctimas de la protagonista. La película esconde además una crítica atroz al hombre, en sentido masculino en este caso, que queda muy mal parado. Aunque seguramente cada espectador pueda hacerse un cosmos sobre el sentido del filme.  Seguramente estamos ante uno de eso títulos que puede hacerse inmune al paso del tiempo.

Lo mejor: Toda la parte visual y sonora. Y que no nos da nada mascado.

Lo peor: He echado en falta una marcha más en el ritmo de la película.

Teoría de la rueda (en spoiler)

Ya sabeis que nos encantan las teorías locas. Una de ellas es que Scarlett es en realidad un neumático. Su look final nos ha terminado por convencer. El motorista que va tras ella durante todo el metraje solo quiere poner ruedas nuevas. Es por eso que ella siempre va en vehículo y le cuesta moverse sin él. ¿Las víctimas? No son presas del sexo, si no personas atropelladas por esa rueda en versión onírica. Sí, me gusta flipármelo.

Wayward pines: El parque temático de M. Night Shyamalan

Lo que es el cine. Parece que fue ayer cuando el director indio M. Night Shyamalan se convirtió en un fenómeno de Hollywood gracias a aterrar y romper cabezas con El sexto sentido. Pudo ser un éxito aislado, pero El protegido y El bosque confirmaron que había un genio tras las cámaras. Y Shyamalan estuvo en la cresta de la ola, pero la ola rompió. Primero fue la narcisista La joven del agua, después la tópica El incidente, incluso estas dos se podían ver como películas fallidas, pero Airbender: El último guerrero confirmó el desastre. Por si había dudas después llegaría After Earth. En este punto es cuando el director ha intentado resucitar via serie con Wayward Pines.

Shymalan, que ejerce como productor ejecutivo de la serie, es también el director de el episodio piloto, titulado Donde el paraíso es su hogar. El FANT 21 nos dió la oportunidad de disfrutar de su estreno en pantalla grande. Tan solo unos minutos para darnos cuenta de que Shyamlan va con todo, y que está dispuesto a meterse en un jardín argumental tras otro. La intriga va in crescendo, pero ya nos hacemos la gran pregunta… ¿Será capaz de resolver con éxito todos los interrogantes que plantea?

La serie nos cuenta la historia de un agente del servicio secreto que tras sufrir un terrible accidente de coche despertará en el misterioso pueblo de Wayward Pines (Idaho). Una localidad en apariencia tranquila, pero que guarda grandes interrogantes.

Wayward pines va a intentar también intentar devolver al primer plano a dos intérpretes en clara decandencia. Matt Dillon, el protagonista, lleva una década sin ofrecernos nada potable. En este piloto me ha encantado su look magullado, que me ha recordado muchísimo al Bruce Campbell de la saga Evil Dead.

Juliette Lewis tampoco pasa por su mejor momento. Por lo que vemos, será una de las aliadas de Dillon. En el reparto también aparecen rostros conocidos como los de Carla Gugino, Melissa Leo o Terrence Howard.

 

La serie se ha presentado como un festival de influencias, convirtiendo al pueblo de Wayward pines en una coctelera de cosas que hemos visto antes. El comienzo es un guiño flagrante a Perdidos (Lost), a partir de ahí un no parar… Twin peaks, El show de Truman, Silent Hill, Pleasantville, Jurassic Park, La cúpula… A pesar de no resultar del todo original, el piloto nos ha convencido, y ya hay ganas locas de ver como avanza todo esto. ¿Será capaz Shyamalan de llevarnos hacia uno de sus desenlaces de antaño? Deseamos que la respuesta sea sí.

 

De poel (The Pool): Sirenas de agua dulce

Un matrimonio con dos hijos y un amigo de la pareja con una hija deciden pasar unos días de vacaciones acampando junto a un estanque. Las tensiones entre los campistas no tardarán en aflorar, y lo que parecían unos días idílicos de campamento se convertirán en una carnicería. Este es el argumento de la holandesa De Poel (The pool), la primera película de Chris W. Mitchell, que el propio director presentó en el FANT 21.

Hay un lago, pero la película tiene bastante más que ver con El resplandor que con el Jason Voorhees cazacampistas de Crystal Lake. Dicho lago parece poseer a algunos personajes, personajes en los que la tensión ya venía de antes, por lo que no sabemos hasta que punto es un acierto la inclusión del elemento sobrenatural. Tengo la impresión de que la sangre iba a llegar al lago de todos modos.

De Poel se sigue con interés, y poco más. Es disfrutable en su vertiente más retorcida, pero el guión es de hoja caduca, por lo que no va a durar muchos días en mi conciencia. Tampoco me atrevo a decir que sea una mala película, pero digamos que su historia de fantasía degrada lo que se había logrado tirando unicamente de rencillas familiares. El resultado final es un modesto cuento de horror campestre.

Lo mejor: Entretenida, rápida y ligera.

Lo peor: Toda su parte de fantasía.

Uno tras otro (In Order of Disappearance) se impone en la Sección Oficial del FANT 21

El jurado compuesto por el actor Dominique Pinon, la actriz Aina Clotet y Carlos Marañón, director de Cinemanía ha decidido premiar como mejor película del 21º FANT a la noruega Kraftidioten (In order of disappearance), de Hans Petter Molland. Decisión acertada si nos atenemos a lo comentado a la salida del cine. La cinta noruega con aire coeniano era una de las favoritas del público, y junto con Goodnight Mommy y Spring era una de nuestras tres favoritas. Por poner un pero diremos que es una película fronteriza que queda más fuera que dentro de lo que es el «género» del festival, quizá por eso hubieramos optado por cualquiera de las otras dos opciones.  La película ha obtenido además el premio al mejor guión y a la mejor dirección innovadora.

En la categoría de Cortometraje internacional dos premios más que merecidos, el de Mejor Corto Internacional para Caradecaballo, de Marc Martínez, una locura hecha con cuatro duros, y el Premio del público para Dinner for few, de Nassos Vakalis, una brutal crítica al sistema que reune a cerdos y gatos en la misma mesa. También justa la victoria de Viaje a Pies de Kris Cembe, como Mejor Corto Vasco, un trabajo con una animación de estilo comic muy cuidada y unas cuantas dosis de humor negro.

Concurso de Trailers Falsos

El concurso de Falsos trailers fue el que ha dejado sin duda los premios más controvertidos. El segundo premio del público para Conbulsión, un trabajo que no pudimos disfrutar del todo al ser mal proyectado. El primero lo obtuvo Fobia, un trailer en la linea de Origen pero vacío de estilo que pasó totalmente desapercibido para nosotros. Igualmente discutible la decisión del jurado, que premió a Rol a los 40, un divertido sketch que no pasaba ahí. Poco se puede esperar de un certamen en el que el presentador menosprecia un trabajo por ser de Panamá y no estar presente su autora y que ya en la presentación dijo que «ganará el que tenga más amigos». Deseamos que la gran idea de esta certamen pueda tener una sesión y un sistema de premios que esté a la altura el año próximo.

Ich seh, Ich seh (Goodnight Mommy): Los gemelos golpean dos veces

Tres actores y una casa, ese es el pilar en el que sustenta la austriaca Ich seh, Ich seh, con título inglés Goodnight Mommy, una de las mejores películas que ha pasado por la sección oficial del FANT en su 21ª edición.

La historia nos presenta a dos infantes gemelos, que viven con su madre en una viviendo de lujo. Los niños perderán toda la dulzura propia de su temprana edad cuando empiezan a sospechar que alguien está suplantando a su progenitora. A partir de ahí asistiremos a una versión mini de Funny Games. Si La Voz o Master Chef tienen su versión kids… ¿Por qué no iba a tener una alternativa infantil el clasicazo de Haneke?

Este MiniMisery también presenta algunas trampas argumentales, que pronto descubrí gracias a la astucia de mi colega del blog Sesión cinéfila. A pesar de destapar pronto uno de los secretos que guarda la película, seguí con interés todo el desarrollo, y disfruté con los juegos de estos pequeños satanases. Los gritos de estupor del personal ante algunas de las prácticas de estos encantadores niños me hizo ver que toda la sala estaba muy metida en esa casa, lo que considero todo un mérito.

Dicen que es dificil trabajar con niños, pero lo que consiguen los directores Severin Fiala y Veronika Franz es simplemente extraordinario. Han sacado oro puro de los dos ñiños de la película, los gemelos Elias y Lukas Schwarz, que están sublimes.

La película cuenta además con una gran realización. Todo avanza despacio, pero con gran intensidad, como una canción de doom metal. Quizá lo peor de la misma sea un desenlace que ya hemos visto en alguna que otra película, que no nombraré para no dar pistas. Por suerte, en lo formal la cinta cuenta con un plano final que me ha parecido antológico. Y ojo a la escena que patrocina Loctite, crudísima y estupendamente filmada. El sufrimiento está asegurado.

Lo mejor: Los jóvenes intérpretes.

Lo peor: Este terreno argumental ya lo pisaron otros antes.

Spring: Mi novia es un zombi-mutante-hombre lobo-calamar gigante

Spring, de Justin Benson y Aaron Moorhead, ha traído el amor al FANT. La película cuenta la historia de Evan, un joven que viaja a Italia huyendo de Estados Unidos. Allí conocerá a Louise, pivón donde los haya, que hará que el chico decida quedarse trabajando por la comarca para intentar conquistarla. Hasta aquí todo bien. Todo muy Bajo el sol de la Toscana en versión masculina. Pero el tema es que Louie esconde un inconfesable secreto: Es en realidad una mutante, zombie, hombre lobo, calamar gigante y quien sabe cuantas cosas más.

La verdad es que Spring es una película muy bien escrita. Su estilo recuerda muchísimo a la trilogía «Antes de…» de Linklater. Benson y Moorhead podrían haberse limitado a hacer una historia de amor, y les habría salido bien visto lo visto, pero decidieron añadir el elemento fantástico a la relación. Al principio la verdad es que el factor monstruo no terminaba de convencerme, pero con el paso de los minutos me ha parecido una decisión correcta. Es más fácil si durante el metraje se incluye un guiño a Un hombre lobo americano en Londres.

Pocos peros se le pueden poner a esta cinta indie. Entre ellos demasiada reiteración en el tema sobrenatural en la parte final y una escena que particularmente me ha parecido que está muy por debajo del resto del metraje, la del intento de violación por parte de otro guiri, muy descuidada y a la que parece que le faltan muchas tomas.

El duo de actores protagonistas, Loy Taylor Pucci y  Nadia Hilker, consigue generar química. Aunque la interpretación que mas me ha gustado es la de Francesco Carnelutti, que encarna a Angelo, un autóctono que enseña a Evan a defenderse en el campo.

En definitiva, estamos ante una película que puede convertirse con el tiempo en una cinta de culto. Un híbrido que puede convencer a los fans del cine indie y a los del fantástico, y enamorar a los incondicionales de ambos géneros. A mi, por lo pronto, me ha gustado.

Lo mejor: Buen guión

Lo peor: Buen guión, pero demasiado verborreico en la parte final

The drownsman: Ahogarse en un charco

Mucho ha llovido desde que Se lo que hicisteis el último verano aprovechara el empujón de Scream para devolver el éxito en taquilla al slasher sobrenatural norteamericano. El renacimiento del terror adolescente fue fugaz, y desde entonces pocos productos de estas características se han ganado el favor del público. The drownsman es una muestra más de agotamiento, una película que ni siquiera es capaz de explotar sus virtudes.

La película, dirigida por Chad Archibald, está protagonizada por cinco amigas, que esteticamente podrían ser perfectamente las spice girls, pero que son más sosas que Ben Affleck. Una de ellas se tropieza con una botella de birra durante una fiesta y cae a un pantano. A partir de ahí, empezará a experimentar una potente hidrofobia con psicokiller incluido. Un psicokiller que aprovechará cada charco para estirar los brazos e intentar acabar con el quinteto femenino.

Con este argumento quizá no podíamos esperar una gran película, pero si una cinta enormemente divertida. Pues ni lo uno ni lo otro. Quedaba por ver si al menos ibamos a ver muertes disfrutables, pero tampoco hubo suerte en esa cuestión. Y eso que ese escenario de bañera y cloaca en la que se mueve el drownsman daba muchísimo juego.

De lo poco que podemos agradecerle a película es de ir al grano desde el minuto uno y que su ligereza hace que resulte entretenida. Entre las influencias es notable la de Pesadilla en Elm Street. Si en el clásico de Craven la consigna era «no dormir» en esta es «No te acerques a un charco, fregadera, vaso de agua…». Eso si, la figura de este psicokiller va más con Jason o Leatherface que con la de psicokiller colega de sagas como Elm Street o Muñeco diabólico. Por el camino encontramos guiños a Jóvenes y brujas e incluso a Star Wars.

En definitiva, una película que durará poco en mi disco duro mental, y que quizá en una tarde de domingo en la que el mando de la tele anda sin pilas y te da pereza bajar a comprar unas a los chinos, puede colar.

Lo mejor: Su poster

Lo peor: Sosa en todos los aspectos

Uno Tras otro (In order of disappearance): Ciudadano ejemplar en Estado de Malestar

El thriller noruego Kraftidioten, de Hans Peter Molland, llegaba al FANT con la etiqueta de aspirante a la victoria en la Sección Oficial, y viendo la acogida tras la proyección, esa condición no le pesó en absoluto.

La película nos cuenta la historia de Nils Dickman (Stellan Skarsgard), propietario de una empresa de quitanieves y ciudadano del año, que tras el asesinato de su hijo iniciará una venganza que llevará hasta sus últimas consecuencias.

Además del thriller, aparecen elementos del drama y del cine de gangsters, a los que se le añade siempre una fina capa de humor negro, presente durante todo el metraje. Su tono y su sentido del ritmo recuerdan sobre todo al cine de los hermanos Coen.

Un elemento curioso es que tras cada muerte en la película (que no son pocas) se nos presenta una esquela del fallecido. Salvando las distancias, me ha recordado a la primera película de Austin Powers, en la que cada vez que moría uno de esos esbirros anónimos que caen a decenas en el cine de Bond, veíamos como alguien llamaba a la casa familiar para informar de la muerte. Os refresco la memoria:

El filme se toma la licencia de reirse de los tópicos del estado de bienestar. No hay partido político que no se mire en el espejo nórdico, esa supuesta democracia avanzada que quizá se ha idealizado demasiado. Los personajes se cuestionan si ese sistema perfecto es un consuelo dentro de las temperaturas gélidas y escasas horas de luz que tienen. Incluso se aplica la que llamaremos la teoría del plátano. Se relaciona calor y ausencia del estado de bienestar, y se nombran ejemplos de ello como Portugal, España, Grecia, Italia, Sudamérica y África. «Si tienes calor no nocesitas estado de bienestar, porque con calor y un platano eres feliz» dice uno de los personajes.

Kraftidioten, cuyo título inglés es In order of disappearance, es una película entretenida no exenta de calidad. Iría en un perfecto programa doble con otra película noruega que me apasiona: Headhunters (teneis que verla si no lo habeis hecho), aunque esta última me parece superior.

Lo mejor: Su humor negro, presente en todo momento.

Lo peor: Influencias evidentes que no la hacen del todo original.

FANT en Corto Vasco 2015: Mejor que nunca

El FANT en Corto Vasco 2015 será recordado como la sesión con más calidad media de cuantos FANT en Corto he visto, y creedme que no he visto pocas. Solo por eso ya hay que dar las gracias a todos los participantes y a las personas encargadas de entregarnos esta maravillosa selección. En lo estilístico predominó el uso de la voz en off sobre cualquier otro elemento. También vimos grandes FX, a pesar de los ínfimos presupuestos. El cine vasco está en muy buenas manos.

El buen mal, de Joaquín Urrutikoetxea

Brillante trabajo con voz en off sobre los recuerdos y la imposibilidad de volver a vivirlos. Desconozco las influencias del director, pero su idea final (patrocinada por Black&Decker) me ha recordado a una escena de una de mis películas favoritas, la del taladro en Pi (Fe en el caos).

Tempo Inverso, de Gregorio Muro y Mikel Muro

Tempo inverso cuenta la historia de un hombre con el don de retroceder en el tiempo. Lo que en principio resulta un superpoder pronto se convierte en algo problemático. Este corto de animación  desemboca en un gran mensaje sobre las relaciones paternofiliales. Y lo mejor de todo esto es que la pieza ha sido dirigida por un padre y un hijo.

El bosque negro, de Paul Urkijo Alijo

Paul Urkijo Alijo revolucionó la presentación corriendo de aquí para allá armado con casco, escudo, espada y una épica camiseta del mítico Golden Axe. Su corto estuvo a la altura de su presentación. Espada y brujería a la antigua usanza, y con unos efectos especiales muy competitivos. Un poco de Legend de Ridley Scott y otro poco de Excalibur de John Boorman, aderezado con el metal de los créditos ¿El principio de una gran saga?

A través del espejo, Iván Mena Tinoco

Interesante trabajo bajo la influencia de la obra de Lewis Carroll. En este caso se mezcla con un accidente y la insistencia de una niña por salvar a su madre. Especialmente trabajada la parte visual, con cierto aroma Timburtoniano. El corto demuestra que con pocos medios se pueden conseguir unos buenos FX.

Magia, de Iker Arce

Breve y brutal. Así podría definir magia, uno de los mejores trabajos de la noche. La dulzura e inocencia de una niña que dibuja una escena familiar es el principio de un viaje. Una linea más sería spoiler.

Viaje a Pies, de Khris Cembe

Un corto de tren y sobre algo que toca de cuando en cuando, un compañero de viaje insufrible. En este caso se trata de uno que apesta. Me ha encantado la animación, esa estética tan de comic y su humor negro y mala hostia.

Homunculus, de Kepa Peñil y Travis J. Flint

El WTF stop motion raruno de la noche. Reconozco no estar capacitado para valorar esta «singular» obra. Para mi, una versión tenebrosa de Sonic: The Hedgeog.

Anómalo, de Aitor Gutiérrez

Estupendo trabajo que engrandecen sus tres experimentados protagonistas: Oscar Ladoire, Paco Sagarzazu y Zorion Eguileor. Pero lo mejor es sin duda el brillante traje «de luces» de Ladoire. Lo demás, una mezcla entre The game y la ventana indiscreta.

Oscar desafinado, de Mikel Alvariño

Se trata de una comedia perfecta de principio a fin durante sus 20 minutos. El cortometraje va sobre lo que puede desencadenar una de esas conversaciones de » que pasaría si me muero». El corto consigue entretener y unas buenas carcajadas sin caer en el humor tonto. Barbara Goenaga está excelente en su papel de «Soy demasiado para ti y lo sabes».

Don Miguel, de Kote Camacho

Con estética Sincitiniana el realizador Kote Camacho nos explica como devolverle la partida a una de las instituciones más malvadas de nuestro tiempo: Los bancos. Un cortometraje astuto.

La Sra. Jesus Mari, de Aitor Arenas

Brutal corto sobre los hijos cuarentones y el que pasaría si pierden a esa «ama» que les mantiene en el nido bien alimentados. Nos lo explica el director Aitor Arenas tirando de un humor negro y con un excelso Iñigo Salinero, que encarna a  ese hijo con raya al lado, ropa demodé y bufanda del athletic al cuello. La alternativa arrigorriagatarra a la Sra. Doubtfire.

Inauguración del FANT 21: The House on pine street

El FANT 21 comenzó en el Teatro Campos con una gala que tuvo de todo. La primera en pisar el escenario fue la actriz María Goiricelaya, que puso la nota buscando su papel. Un tipo cachas nos trajo a Lander Otaola, que, como presentador de la gala del pasado año reclamó su lugar en el escenario. Y hasta aquí duró el humor, porque pronto el FANT se convirtió en la emotiva despedida de dos grandes del cine vasco, y sobre todo, dos grandes bilbainos: Álex Angulo y Aitor Mazo. El primero falleció el pasado mes de julio, el segundo nos ha dejado el pasado miércoles . Dos perdidas irreparables, pero que nos dejan un gran legado audiovisual. Otaola recordó visiblemente emocionado a ambas figuras, en especial la de Aitor Mazo, al que el considera su maestro, la persona que apostó por él para que se dedicara a esto de la interpretación. Tampoco se olvidó de Javier Ibarretxe, cineasta olvidado por la Academia en los últimos Goya, pero que su ciudad, Bilbao, nunca olvidará.

Tras la ceremonia llegó el turno de The house on pine street, que contó con la presencia de parte del equipo de la película. Se trata de una cinta de terror Low-cost, se hizo con 18.000 euros, que deja en bragas a la mayoría de cintas de terror de los grandes estudios. Lo primero que sorprende es que a pesar de su bajísimo presupuesto la película cuenta con una gran realización. Es cine independiente, pero su look no es cutre ni casero.

Estamos ante el archiconocido subgénero de Casa encantada. The House on Pine Street cuenta la historia de una pareja que espera un niño. Por motivos económicos decide mudarse de Chicago a Kansas para poder criarlo, situación propiciada gracias a la ayuda de Meredith, madre de Jennifer, la embarazada protagonista.

Si bien la película no ofrece novedades, el mayor de sus aciertos reside en decantarse por el lado psicológico del horror. No estamos ante la típica variante de sustos y monstruos. Como explicaron los hermanos Keeling, directores de la película, no querían una película que resultara efímera en el recuerdo del espectador. Otra de las decisiones que juega en favor del filme es no darle todo mascadito al espectador, práctica habitual en el fast food horror de multisala americano.

Sorprende también la calidad de sus escasos FX. Todo lo paranormal que se muestra en pantalla tiene un look completamente real. Eso son para mi uno buenos efectos, los que no nos muestran la trampa. Hoy en día los FX «efectivos» están en peligro de extinción.

Las referencias son las habituales. No falta la vecina malrrollista que ofrece comida casera, tan La semilla del diablo. Si a eso le sumas el embarazo, la película de Polanski podría ser la principal fuente de esta cinta. Otras referencias son The Haunting (la antigua, por supuesto) y Al final de la escalera, de Peter Medak, posiblemente la mejor película del subgénero.

En el apartado interpretativo brilla especialmente la protagonista Emily Goss. Desarrolla a la perfección un personaje complejo, pero de esos que da la oportunidad de lucirse. Igualmente destacan dos secundarios con una fuerza pocas veces vista: Jim Korinke interpreta a Walter, el (no) «parapsicólogo» de la función, una suerte de Doctor Loomis sin doctorado en lo extraño. Cathy Barnett es la madre, un personaje sobre el que planean nubes negras desde su primera aparición.

En definitiva, The House on Pine Street es una buena película que ha ofrecido una muy digna apertura de festival. Ojalá este terror indie pueda llegar al circuito comercial en buenas condiciones. Los Keeling seguirán por la senda del terror en su próximo filme, por lo que estaré encantado de seguirles la pista.

Lo mejor: Excelente fotografía y gran realización. Los Keeling saben donde poner la cámara.

Lo peor: Pasa por lugares demasiado transitados.