Las películas del Universo Cinemático Marvel de la peor a la mejor

El próximo 27 de abril se estrena Vengadores. Infinity war, el 19º largometraje del Universo Cinemático Marvel (Marvel Cinematic Universe), el ambicioso universo compartido en el que convergen los superhéroes de la casa de las ideas. Aprovechamos la ocasión para hacer un top vacuno de todas las películas que la franquicia ha estrenado hasta la fecha.

18. Black Panther

La película ha reventado la taquilla USA, ha encandilado a la crítica USA, pero desde aquí lo decimos sin rubor: Black Panther es el único bodrio del Universo Cinemático Marvel. A pesar de contar con un icono protagonista, nada funciona. Decorados cutres, efectos de mercadillo y épica prefabricada.

17. Thor

Cuando se confirmó a Kenneth Branagh como director de Thor, soñamos con un Asgard shakespiriano. Al despertar la hostia fue importante. Una presentación de personaje aburrida y sin alma. Posiblemente la película más sosainas de la lista.

16. Iron Man 2

Puede que incluso lo pasáramos bien viendo a Robert Downey Jr. y Mickey Rourke jugando a Tom y Jerry en el circuito de Mónaco. Puede que fuera entretenida, pero tan entretenida como prescindible esta secuela de Iron Man. Una película intrascendente.

15. El increíble Hulk

No lo tenía fácil ni nada Louis Leterrier tras el espantoso Hulk de Ang Lee, así que esta versión del gigante verde mejoró con creces su imagen en la gran pantalla. Una película entretenida y divertida, cuyo gran pero es la pronta desaparición del protagonista Edward Norton, sustituido por Mark Ruffalo en los siguientes filmes.

14. Guardianes de la galaxia: Vol.2

Aquí el problema es uno de los habituales. Guardianes de la Galaxia: Vol. 2 está francamente bien, pero su mayor problema es que ya existía una película titulada Guardianes de la Galaxia, y que esta vez era lo mismo pero (bastante) peor.

13. Capitán América: El primer vengador

Capitán América: El primer vengador es la única retroaventura de la franquicia. Una película de corte clásico que funciona como entretenimiento, pero a la que no le perdonamos el escaso rendimiento que le saca a craneo rojo.

12. Ant-Man

Ant-Man se presentó como la primera comedia sin pretensiones del universo cinemático Marvel, y precisamente esa es su mayor virtud. Un “Cariño, he encogido a los niños” en clave superheróica hecha para dejar el cerebro en el sofá, al lado de las palomitas.

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11. Dr. Strange

El ‘Origen’ de Nolan adaptado al universo Marvel. Había ganas de ver a ‘Sherlock’ convertido en Doctor Strange, y Bedenict Cummberbatch se mantuvo a la altura de las expectativas. La película más espiritual de la franquicia.

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10. Los vengadores: La Era de Ultrón

Obtuvo críticas muy negativas en su estreno, pero no nos atreveríamos a decir que La Era de Ultrón. Simplemente es una película irregular, que alterna muy buenos y muy malos pasajes. Da la impresión de que el filosófico archienemigo robótico daba para algo más. Aún con cierta decepción, una secuela disfrutable.

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9. Iron Man

Quizá hoy en día se queda corta de espectacularidad, pero en su día Iron Man fue una estupenda presentación de personaje gracias a un Robert Downey Jr. cargado de hilaridad. Él era la película, y en ese momento Iron Man era la franquicia.

8. Iron Man 3

Con algo menos de comedia y algo más de profundidad, esta tercera entrega se convirtió en la mejor película de un personaje que, como ya hemos comentado, era la punta de lanza de todo el universo Marvelita. El giro de guión del Mandarín, personaje que interpreta Ben Kingsley, es una auténtica genialidad.

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7. Thor: El mundo Oscuro

La secuela de Thor apostó por el entretenimiento sin complejos, y todos ganamos con el cambio. Aunque en la recta final se vuelve convencional, Thor: El mundo Oscuro es en su primera mitad un gran lavado de cara del personaje. El Éter (Una de las gemas del infinito) y la aparición de Loki hacía subir varios puntos a la película.

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6. Spider-man: Homecoming

El hombre araña ha entrado al Universo Marvel por la puerta grande. Con la colaboración de Iron Man, este spidey quinceañero se presenta como la pieza adolescente que faltaba en el equipo. El carisma de Michael Keaton interpretando a Vulture mejora el ya de por sí gran resultado de este reboot.

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5.  Los vengadores

Los Vengadores fue la película con la que Marvel dio el primer salto de calidad. No era fácil encajar tantas piezas, pero las personalidades de los héroes convergieron a la perfección en esta primera entrega conjunta. La alternativa perfecta a los trascendentales Batman de Nolan era esta desenfadada conjunción de poderes. Para el recuerdo, la batalla de Nueva York contra miles de ‘masillas’.

4. Guardianes de la galaxia

La película de James Gunn llegó y conquistó. Una comedia ochentera y psicodélica que no solo es comic, también es la mejor Space Opera desde Star Wars. Darle (cierta) libertad creativa a Gunn ha sido una de las mejores decisiones de Marvel.

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 3. Thor: Ragnarok

Llegó la tercera de Thor, y se apostó definitivamente por la comedia. Bravo por los responsables de esta valiente decisión. La imponente Hela de Cate Blanchett contribuye a dar un poco de equilibrio a una cinta que funciona mejor cuanto más desmadrada. La colorida y arriesgada dirección artística terminó de rematar la faena. La mejor película de Thor hasta la fecha, de largo.

2. Capitán América: Civil War

No era nada fácil hacer creíble un conflicto entre El capitán América y Iron Man, más si cabe después de lo que pasó con Batman V. Superman. Pero Marvel armó a sus personajes con algo de lo que carecían los de DC: Motivos. Y si el conflicto funciona, los personajes ya estaban más que testados. Un entretenimiento sofisticado, una película imponente.

1. Capitán América: El soldado de invierno

El despertar del Capitán en el tiempo presente llevó a la franquicia a su cota más alta. Una cinta de acción a la vieja usanza que daba un descanso al CGI para mostrarnos espectaculares persecuciones en asfalto. Todo esto acompañado con elementos de thriller de primer nivel. El título más maduro de la era Marvel. El mejor hasta la fecha.

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Ahora te toca a ti. Déjanos tu ranking en la zona de comentarios

 

Spider-man: Homecoming. Un hombre araña de la onda Springsteen

La figura del hombre araña en el cine se ha ido devaluando progresivamente. Tras una buena presentación en Spiderman y una gran resultado con Spiderman 2 todo se empezó a torcer en Spiderman 3, el ambicioso cierre de la trilogía de Sam Raimi. Una excesiva duración, un mal reparto de tiempos entre los villanos y alguna escena fallida cerraron la primera etapa del superhéroe. Marc Webb lideró el segundo intento, pero tras un correcto comienzo en The Amazing Spiderman, el proyecto se despeñó en su secuela. La única salida era incorporar al personaje al Universo Cinemático de Marvel, aún sabiendo que se trataba de una figura profundamente erosionada.

Quizá por eso, con buen criterio, los responsables del UCM pensaron en aire fresco. Por un lado renunciaron a incorporar a un rostro conocido para el papel, y por otro en rebajar la edad de Spiderman hasta los quince años. Y antes de darle película propia, el estudio decidió darle un cameo estelar en la exitosa Capitán América: Civil War. El buen resultado de esa aparición aumentó las expectativas de los fans ante la película individual del arácnido.

El encargo de la dirección recayó en John Watts, un director sin experiencia en grandes proyectos responsable de Clown y Coche policial. Pero dirigir es más fácil cuando hay un buen guión detrás, y el de Spider-man Homecoming lo es. El libreto escrito a seis manos por John Francis Daley, Jonathan M. Goldstein, Christopher D. Ford, Chris McKenna, Erik Sommers y el propio Watts ha conseguido marcar el rumbo idóneo para la franquicia. Hay comedia, hay acción, pero este nuevo hombre araña esquiva clichés poniendo el foco en el desarrollo del personaje. Y también hay un gran giro de guión, algo que se da en contadas ocasiones en películas de este tipo.

Quizá la audiencia se quedó algo fría cuando se confirmó a Vulture como el villano de la película, un enemigo menor, pero elegir al siempre carismático Micheal Keaton y colocarle como un supervillano de clase obrera frente al imperio Stark funciona de maravilla. Con algo de coherencia y un buen texto hasta el mayor sparring marvelita puede ser competente. También es acertada la elección de Tom Holland como hombre araña. Ni Maguaire ni Garfield dotaban al personaje de la frescura necesaria para interpretarlo. Ninguno de los dos actores había conseguido hacerlo suyo.

Quizá con un poco menos de convencionalidad en el tercer cuarto y rindiendo menos pleitesía a la franquicia, estaríamos hablando de una de las grandes del cine de superhéroes. Aún así Spider-man: Homecoming se sitúa entre las mejores de Marvel, que no es poco precisamente. Las bases están sentadas. Y la mejor noticia de todas es que seguramente la gran película de Spiderman aún esté por llegar.

 

Aniquilación: Redención o muerte en el resplandor

Tras la excelente Ex Machina, Alex Garland sigue empeñado en mostrar al público que la ciencia-ficción es uno de los grandes géneros. En esta ocasión, adapta Aniquilación, novela de Jeff VanderMeer. Un material muy jugoso de partida que no defrauda en absoluto en su salto a la gran pantalla.

La película está disponible en el catálogo de Netflix España. La plataforma de VOD compró a Paramount los derechos internacionales del filme, lo cual nos hizo temernos un tropiezo, puesto que ya ocurrió lo mismo con la reciente The Cloverfield Paradox, cinta muy inferior a sus predecesoras. Podemos confirmar que no ha sido una venta por cuestión de calidad. Lo malo de todo esto es que Aniquilación merece verse en pantalla grande, y a los que nos gusta el cine nos ha tocado jodernos.

La película nos hace cómplices del drama de Lena (Natalie Portman), una bióloga que asiste al regreso del marido que (casi) daba por muerto. Pero el esposo (Oscar Isaac) no parece ser el mismo que antes de partir. Pronto descubrirá que ese cambio y el frágil estado actual en el que se encuentras provienen de ‘El resplandor’, una zona en cuarentena con muchas idas y una única vuelta.

Estamos ante un título ambicioso, y ya desde el primer minuto Garland evidencia su deseo de hacer ciencia ficción con mayúsculas. En la introducción, Aniquilación no está muy lejos de La llegada. Se nota un trabajo calculado para crear el clima de misterio adecuado. Garland construye en el espectador la necesidad de adentrarse en el complejo enigma que plantea la película. En todo momento queremos saber más, como si estuviéramos asistiendo a un capitulo especial de Lost (Perdidos). Y paralelamente a la trama, se desarrolla el viaje interior de los personajes. Además de lo que vemos en pantalla, la película invita continuamente a la reflexión, y esta sensación va in crescendo.

Es de agradecer que, a diferencia de los títulos de aventura habituales, el comando de exploración protagonista es íntegramente femenino. Hemos visto heroínas de acción, pero ahora mismo no me viene otro título a la cabeza cuyo quinteto titular esté formado íntegramente por mujeres. Otra prueba más de que otro cine es posible. Al frente del reparto una estrella consolidada como Natalie Portman, que cumple como atípica heroína de acción.

A pesar de todas estas virtudes, Aniquilación se encuentra lejos de la perfección. Ex Machina era una película más redonda en casi todos los aspectos. La excelencia de los efectos de aquella película colisiona aquí con el abuso de la CGI, que si bien funciona a las mil maravillas para dotar de vida al decorado, chirría a la hora de mostrar sus criaturas. Aquí el problema está como casi siempre en no tomar una base real y apostarlo todo a la carta digital, casi siempre más económica.

Y Cuanto más se acerca el final, más aumenta la sensación de que estamos ante una trama jodidamente difícil de cerrar. Pero Garland arriesga, sin ningún temor a jugar con fuego y caer en lo ridículo. Ya hizo Kubrick en 2001: Una odisea en el espacio, ya lo hizo Zemeckis en Contact, ya lo hizo Nolan en Interstellar… Directores que consideraron que era mejor pasarse por exceso. A los futuros espectadores solo queda recomendarles que se agarren fuerte al sofá, porque vienen curvas. Los que ya la habéis visto, sabéis a que me refiero. En definitiva, estamos ante una película grande por momentos, y que nunca deja indiferente. Sin duda uno de los títulos imprescindibles de 2017.

Reflexión sobre el final en Spoiler

Aniquilación tiene sin duda un final de esos que no deja indiferente, un salto con doble mortal adelante que no escasea en tirabuzones. Garland le pasa la posesión al espectador, y a partir de aquí llega la hora de la paja mental. En mi opinión, la película forma a un equipo en dirección a la redención, a la expiación de los pecados. Ninguna de las componentes del escuadrón protagonista tiraría la primera piedra. Misioneras vocacionales sin absolutamente nada más que perder. La película habla de la autodestrucción para más tarde hacer un llamamiento a la esperanza, a la infinita capacidad de regeneración del ser humano en situaciones límite. De esta manera entendemos que Natalie Portman no muere, si no que resucita, y hace lo propio con su marido. Ambos vuelven del resplandor, ambos sobreviven, pero el precio pagado es la aniquilación al ego anterior.

Gorrión rojo: La insondable guerra fría

De vez en cuando sienta bien ver una gran producción de verdad. Y eso es lo que parece Gorrión rojo. En esta película no hay decorados de cartón piedra. Estamos ante un thriller de espías serio que no pierde el tiempo en tiroteos y efectos digitales.

La película cuenta la historia de una bailarina rusa cuya vida cambiará radicalmente tras una lesión. Su tío, con alto rango en el servicio secreto ruso, la llevará a las cloacas de la interminable guerra fría.

He de reconocer que no tenía demasiada fe en Francis Lawrence, mucho menos después del doble capítulo final de Los juegos del hambre, que echó por tierra el trabajo de Gary Ross en la primera entrega y su propia labor en En llamas. Gorrión rojo es la película más limpia y elegante del director.

Pero todo es más fácil cuando Jennifer Lawrence está en tu equipo. No solo estamos ante una de las mejores actrices de su generación. JLaw es una líder, una estrella que justifica su protagonismo en cada toma. Ella y Jessica Chastain llevan el magnetismo a otro nivel. En esta ocasión su trabajo combina a la perfección fragilidad y falta de escrúpulos.

Quizá la gran virtud de Gorrión rojo es su decidida apuesta por el ritmo pausado, en detrimento de la acción habitual. Esto en los peores casos suele traducirse en un soberano aburrimiento, pero a la película no le pesan sus 140 minutos. También se agradece que sea bruta y explícita cuando tiene que serlo. Si hay que enseñar una polla se enseña. Si hay que poner en primer plano la violencia física y verbal se pone. Todo un acierto desmarcarse del thriller blando de estudio al que la industria de Hollywood nos tiene acostumbrados.

El mayor pero de la película es su guión, que aunque cuenta con más de un buen pasaje,  no está a la altura de la impecable realización. Se echa en falta algo más de riesgo en el libreto, porque en realidad no se han tomado senderos alejados de las pautas habituales del cine de espías. A pesar de esto, Gorrión rojo funciona en casi todos los aspectos. Una película de obligado visionado para los buscadores de topos.

Incidencias: Sala llena. A destacar la variedad de público al que es tratar de engatusar JLaw. Del veterano público de espías a los jóvenes fans de una de las estrellas más brillantes del panorama cinematográfico actual.

 

Ícaro: La gran mentira colectiva

El documental La mentira de Lance Armstrong (2013), sobre la vida y milagros del ciclista tejano, era hasta ahora el gran documental sobre las trampas en el deporte, más conocidas como dopaje. En 2017 llegó su secuela involuntaria, en la que la trama de dopaje sobrepasa un individuo y un deporte para involucrar a toda una nación. Ícaro, de Brian Fogel, se hizo en la 90ª edición de los premios de la Academia con el Oscar al mejor documental.

Lo que empezó para el cineasta Brian Fogel como un Super Size Me cambiando McDonalds por sustancias dopantes, se acabó convirtiendo en todo un ‘puente de los espías’ con el deporte ruso como actor principal. Fogel contactó con el ruso Grigory Rodchenkov en su intento de probar en primera persona el efecto de los anabolizantes en el ciclismo amateur, un auténtico Maestro Miyagi en esto de las drogas deportivas. Pero cuando la sombra de la sospecha se instaló sobre Grigory, el doctor ruso decidió tirar de la manta, destapando una profunda trama criminal con implicación del Kremlin y el KGB. Algo parecido a lo que sucedió con el ya mencionado La mentira de Lance Armstrong, que comenzó como un documental sobre el retorno del ciclista y acabó convirtiéndose en un análisis detallado de su historial tramposo.

Brian Fogel ha hecho un trabajo audaz, que a pesar de sus ecos de gran thriller in the real life, le debe todo a su personaje principal. El señor Rodchenkov se nos presenta como un auténtico trilero, y su carisma es tal que nos hace obviar su gran culpa en el proceso. Estamos ante un personaje que conquista, un ser sin escrúpulos pero completamente entrañable.

Y es que a pesar de la mentira, Ícaro es ante todo un documental sobre la verdad, concretamente sobre la importancia de contarla. Fogel concluyó con esta reflexión al recoger el Oscar, además de dedicar el premio a Grigory Rodchenkov, que tras la emisión de este trabajo se encuentra en serio peligro.

Podríamos decir que Ícaro es la cara B de Red Army, el documental sobre el equipo soviético de hockey que nos encandiló hace dos temporadas. El largo de Brian Fogel es desde ya una de las obras imprescindibles del catálogo de Netflix. Un título complejo, pero apasionante.

Las nominadas al Oscar a la Mejor película 2018 de la peor a la mejor

Tras ver las nueve nominadas al Oscar 2018 en la categoría de mejor película en una sala de cine, toca valorar sus méritos. Aquí va un análisis con las aspirantes a la estatuilla en la categoría principal, de la más floja a la más potente.

9. Dunkerque

Dunkerque no es una película mala en absoluto. Estamos ante una filme bélico muy realista cuya mayor virtud es su grandilocuente puesta en escena. ¿Qué falla? No llega. Se queda en lo superficial, y como película de catástrofes, que en buena parte lo es, no acaba de despegar. Sus personajes podrían llamarse X e Y y no pasaría nada.

8. El instante más oscuro

Un buen episodio histórico que seguramente le valga el Oscar a Gary Oldman. Sirve para mostrar la parte política de Dunkerque, pero no tiene fuerza para perdurar. El instante más oscuro funciona por el peso de lo que se cuenta, pero es un filme demasiado liviano.

7. Tres anuncios en las afueras

Buen guión, buena puesta en escena, un potentísimo personaje protagonista, alguna que otra sorpresa… Pocos peros se le pueden poner a este filme. Quizá el mayor problema es que uno no acaba de empatizar con ninguno de los personajes, y la historia da algún que otro bandazo. Tres anuncios a las afueras es de esos títulos imprescindibles de los últimos meses, pero estamos ante un relato áspero que sitúa al espectador a cierta distancia de lo que se cuenta.

6. La forma del agua

Estamos ante un título brillante en su forma. Con una realización cuidadada hasta el más mínimo detalle y un trabajo de dirección artística espectacular, que va en conjunción con una preciosista banda sonora. Un canto de esperanza para los bichos raros, para los monstruos, para los inadaptados… Quizá el mayor problema reside en un guión sin apenas sorpresas. El cómo está muy por encima del qué.

5. Lady Bird

El título indie que no podía faltar. Personajes carismáticos e historias cercanas. Quién no haya atravesado la edad del pavo que levante la mano. Una película simpática, con un buen guión y correcta en todos sus sentidos. Pero diría que el Oscar le va grande. Quizá corra mejor suerte en los Independent Spirit.

4. Los archivos del Pentágono

Una producción inmaculada con el sello Spielberg, con el plus de que hay un periodista al volante de este blog y todo lo que refleje los años dorados del periodismo es porno del bueno. Una historia real potente y bien desarrollada que acaba justo donde esperaba. Una gran precuela de Todos los hombres del presidente. No es la mejor de Spielberg, tampoco se acerca a las tres que vienen a continuación, pero da gusto verla.

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3. El hilo invisible

La primera de las tres grandes del Oscar este año. Un trabajo a la altura de Paul Thomas Anderson. Una historia de amor que se cuece fuego lento y prepara poco a poco la hostia que te acaba dando. Realización minuciosa. Daniel Day Lewis como en los mejores tiempos, y un guión que se agiganta en la parte final.

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2. Call me by your name

Pase lo que pase Call me by your name ya tiene su hueco en la historia del cine. Estamos ante una de las grandes historias de amor de los últimos veinte años. Filmada con gusto y con música de Sufjan Stevens que la eleva aún más. Ayuda el gran trabajo de todo el casting, especialmente el de Timothée Chalamet. De nuevo un guión gigante en el tramo final. Un clásico moderno.

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1. Déjame salir

Y había que quedarse con una. Déjame salir ya es un clásico del cine de terror, aunque en si misma es mucho más que eso. Estamos ante la mejor película que ha dado el cine sobre esclavismo, y también la más arriesgada. Sería una sorpresa su victoria, pero el gran fenómeno de 2017 merece todo el reconocimiento.

 

 

Black Panther: Wakanda de la vaca

Marvel también la caga. Nos las prometíamos felices con Black Panther, el héroe afroamericano por excelencia pedía a gritos un salto a la gran pantalla. Más en tiempos donde salir en un viñeta te da pasaporte automático a la sala de cine. El universo cinematográfico del imperio Disney sumaba películas de más o menos entidad, pero siempre efectivas. Lástima que esta pantera negra, se haya saltado las normas del estudio para abrazar con fuerza la Serie B. Black Panther es una superproducción de segunda, y lo peor es que parece que nunca pretendió serlo.

El problema de la película reside sobre todo en la ejecución. Los efectos especiales parecen en ocasiones salidos de la app de un teléfono móvil, mientras que los decorados son sencillamente sonrojantes. Todo sucede en un falso exterior, que en escenas como la de la pelea en la cascada canta demasiado. El copy paste de personajes digitales le gana la batalla a los figurantes, y la pantalla verde tumba a los escenarios naturales. Lo mismo ocurre con los rinocerontes digitales. Pasa como con los monos de Jumanji ¿Acaso no hay rinocerontes en la naturaleza?. Alguno tras la película se preguntaba si se habían extinguido.

 

La dirección de Ryan Coogler (Creed: La leyenda de Rocky y Fruitvale Station) es profundamente impersonal. Casi se sitúa en la antítesis de lo que James Gunn ha logrado con ‘sus’ Guardianes de la galaxia. El otro problema grave son todos los palos que se quieren tocar. Vamos de El rey león, a Tron: Legacy, y desde allí a El señor de los anillos. Todo sin orden ni concierto. A eso hay que sumarle una trama más previsible que el resultado de España en Eurovision.

Pero hasta de los desastres más monumentales se saca algo bueno. Lo hace con timidez, pero Black Panther indaga en los problemas de África, y el vibranio va en claro paralelismo con la explotación de Coltán. Tampoco se omiten los problemas históricos de la población negra en el pasado, presente y futuro de los Estados Unidos. La crítica no se esconde, aunque en conjunto carezca de la profundidad que una película ajena a romper taquillas le hubiera otorgado.

En el casting la gran sorpresa es Letitia Wright y su carismático personaje: Shuri, una experta tecnológica que acaba con el estereotipo masculino que impuso Alfred en Batman. Ella sí tiene hueco en el universo Marvel. La noticia negativa es la aberrante interpretación de Daniel Kaluuya (W’Kabi) que acaba con el buen sabor de boca que nos dejó en Déjame salir, papel por el que está nominado al Oscar. Poco que decir de T’Challa, Chadwick Boseman. La mejor noticia es que ni el ni su personaje sufren desgaste de cara a futuros filmes marvelianos.

Este error de la casa de las ideas, casi en el descuento de Infinity War, rebaja levemente las expectativas ante la película más prometedora de la franquicia. Pero Marvel ya demostró en Civil War que es capaz de triunfar en una misión suicida: La de acumular decenas de personajes carismáticos en un mismo metraje y que el aforo no se resienta. Confiamos que los hermanos Russo resuelvan la ecuación como hasta ahora. Thanos is coming.

The Cloverfield Paradox: Para dox, lax dox primerax

Parece que la saga Cloverfield está dispuesta a tocar todos los palos. Tras el debut en clave Kaiju mockumentary de Monstruoso, llegó Calle Cloverfield 10, una agobiante historia postapocalíptica de espacios cerrados. Ahora llega por sorpresa a Netflix The Cloverfield Paradox, un título que abandona la tierra para instalarse en el terrpr sci-fi espacial.

El punto de partida de Paradox recuerda al de Interstellar, con un planeta al borde de perder todos los recursos y una expedición que tiene como misión alargar la esperanza de nuestra especie. Un comienzo esperanzador y una premisa interesante. Los primeros minutos se desarrollan de manera irregular. La película no encuentro el ritmo, pero destellos de guión como el «Not in Kentucky Anymore» o la terrorífica aparición de la chica entre cables mantienen viva la esperanza. Incluso los momentos de puro Alien, aunque mil veces vistos, mantienen la tensión. Así es como llega el primer WTF mayúsculo de la película, con un brazo que recuerda a la ‘cosa’ de La familia Adams. Por un momento Sam Raimi se apodera de la cinta. Pero con ese brazo en fuera de juego se acabó lo que se daba. El pasaje del terror se va cerrando, y el guión, que pretende ser una ecuación difícil de resolver, se convierte en una resta con llevadas.

Tampoco ayudan las esperpénticas interpretaciones. Daniel Brühl está peor que nunca, con una cara continua de… ¿Quién me ha engañado para participar en esto? Así es como poco a poco Paradox se va quedando demasiado lejos de sus antecesoras. Quién mucho abarca poco aprieta dicen, y en este caso es literal. Es en este punto es cuando vas entendiendo la decisión de Paramount de ‘regalarle’ a Netflix esta película, que en principio debió verse en las salas de cine. A este Paradox le pasa lo mismo que a aquellas secuelas que tuvo Cube, Hypercube y Cube zero, que intentaban resolver cutremente los enigmas de la original. Intentaremos quedarnos con los buenos momentos, todos mencionados en este reseña. Por lo demás, una gran pena para una de las sagas más misteriosas del cine de los últimos años.

 

El hilo invisible: Lo que amas es necesitar

Pues nada, que lo ha vuelto a hacer. Paul Thomas Anderson ha vuelto a demostrar por qué es uno de los mejores directores de cine de los últimos años. El autor de Pozos de Ambición, Boogie nights o The master ha recurrido al mundo de la moda para hablarnos de amor, más concretamente de un amor enfermizo.

El hilo invisible nos presenta a Reynolds Woodcock, un brillante diseñador que vive acomodado en una tortuosa disciplina. Una vida dedicada al trabajo en la que apenas hay sitio para nada más. Su rutina se ve alterada cuando conoce a Alma, una joven que no solo se convertirá en su amante, también en su modelo predilecta.

Todo es más fácil con Daniel Day Lewis. El actor británico vuelve a realizar una interpretación monumental, demostrando los motivos por lo que es considerado uno de los mejores en su oficio. Una actuación que deja un halo de tristeza, porque Day Lewis ha anunciado que esta será su última vez. No es la primera vez que lo deja. En 1999 también comunicó su retirada para convertirse en zapatero en Florencia, pero Scorsese le recuperó para el cine en Gangs of New York. Esperamos que alguien le vuelva a sacar de la jubilación, porque el cine no puede permitirse prescindir de uno de los actores más grandes de todos los tiempos. Le da la réplica Vicky Krieps, que aunque no está al nivel, no le negamos el mérito de mantener el tipo. La que si sorprende con un potentísimo personaje secundario es la nominada al Oscar Lesley Manville, que interpreta a Cyril, hermana de Reynolds. Sus minutos en pantalla son de oro.

 

No estamos ante una película sencilla. Anderson se toma su tiempo en la construcción del entorno y, sobre todo, en la de los personajes. Que nadie espere un ritmo alto, porque el director cocina a fuego lento sus verdaderas intenciones. Y para que esto funcione nada mejor que cuidar el detalle. La fotografía, como en todos sus títulos, es impecable. Pero hay algo aún mejor: La cuidadísima banda sonora de corte clásico que ha compuesto el guitarrista de Radiohead Jonny Greenwood. Hay que ser muy bueno para llevar a cabo un trabajo de este nivel. Más aún cuando eres conocido por formar parte de una legendaria banda de pop alternativo.

El director no nos muestra sus cartas hasta el último cuarto de la película. Es en su tramo final cuando El hilo invisible se cita con la excelencia. PTA arriesga y gana en un final sin concesiones que desnuda en totalidad a sus protagonistas. Al abandonar la butaca mucho por asumir, y varias preguntas para el espectador ¿Es la historia que cuenta el hilo invisible un caso aislado o es la forma más común de amor? La teoría de Anderson parece inclinarse ante esto último. Una vez más el espectador contra las cuerdas, y la sensación haber visto una gran obra. Pero lo que hace aún más grande a El hilo invisible es que se presta a múltiples visiones, y cada espectador saldrá del cine con su película. Guste o no, estamos ante una experiencia única.

Reflexión en Spoiler (Déjalo aquí si no has visto la película)

All you need is love es uno de los temas más populares de los beatles y, por ende, de toda la música británica. Anderson le da la vuelta al estribillo relacionando el amor con la dependencia emocional. Alma gana la partida cuando se da cuenta de que el hueco que debe llenar es de la madre de Reynolds. Esa dependencia emocional que se intuye con la pérdida. Todo lo que necesitas no es amor, lo que amas es necesitar a alguien. Lo mejor en las últimas escenas es que los dos protagonistas ya conocen sus roles, y aún así todo fluye. Un final en el que la pareja protagonista es feliz y como perdices, y aún así atroz.

Reynolds Woodcock: Kiss me, my girl, before I’m sick.

Los archivos del Pentágono: Periodismo contra el miedo

Steven Spielberg confirma en cada nuevo título su trabajo como gran cronista de la historia del Siglo XX. La lista de Schindler, Salvar al Soldado Ryan, Munich, El puente de los Espías… Poco queda del otrora Rey Midas de Hollywood. Hemos perdido al cineasta que asombraba en la fantasía y ciencia ficción, pero hemos encontrado a un gran historiador con ecos del mejor cine clásico americano. Los archivos del Pentágono no hace más que confirmar esta afirmación.

La película aborda uno de los episodios clave en la historia del periodismo durante el mandato de Nixon, el de los Pentagon papers. Dichos papeles, con información clasificada, ponían en tela de juicio el papel de Estados Unidos en Vietnam, una guerra ya de por si muy cuestionada con protestas a lo largo y ancho del país. Y tampoco quiero contar mucho más, puesto que los que no conozcan lo sucedido tendrán ese plus al sentarse en la butaca.

El guión de Liz Hannah y Josh Singer indaga en la parte privada de la historia. Especialmente en la relación entre Katherine Graham, editora del Washington Post, y Ben Bradlee, director del periódico. Spielberg ha contado con dos primeros espadas para defender los personajes: Meryl Streep y Tom Hanks. Ambos intérpretes resuelven el papel con la efectividad marca de la casa. Especialmente interesante resulta el personaje de Streep, que da vida a una poderosa mujer que tendrá que enfrentarse a una dura decisión y a un momento de hombres que no la respetan. No solo ella y el Post estuvieron en juego, también el papel del periodismo en la sociedad.

Los archivos del pentágono gustará especialmente a los que disfrutaron con Todos los hombres del presidente, la obra cumbre del periodismo en el cine. De hecho, ésta última actúa como la precuela perfecta. Este subgénero, también llamado Porno para periodistas, reescribe las letras doradas de la profesión en estos tiempos oscuros. «La prensa debe servir a los gobernados, no a los gobernantes”, dice Katherine Graham en un momento de la película. Las carcajadas en la sala fueron sonoras, y no hace falta explicar el motivo. 

En definitiva, Los archivos del pentágono es una pieza sólida de la marca Spielberg. Una historia que toca especialmente a los que somos parte del periodismo, pero que duele al ver la triste realidad. Sólo hay que ver el caso de El país en España para presenciar la decadencia del periodismo y su derrota ante los intereses políticos y económicos. Aun así, vale la pena recordar que esto sucedió. La libertad de prensa también ha tenido que ganar batallas, y esta fue una de las más importantes.

Spielberg regresará a la fantasía en marzo con Ready Player One, película sobre un icónico mundo virtual. Si consigue estar a la altura de estos archivos habrá cumplido sobradamente.